Nacida en Bogotá, Colombia en 2020, Dimensión Nocturna emerge como un proyecto de Post-Punk experimental, desde sus inicios, la banda se propuso explorar territorios sonoros donde se dialoga con el Gothic Rock y el Darkwave, construyendo atmósferas densas y emocionales que invitan a la introspección y al viaje nocturno. Con El Abismo, su tercer EP, la banda reafirma la identidad que comenzó a delinear en trabajos previos como Melanosis, y se sumerge sin reservas en un territorio sonoro más denso, introspectivo y emocional, donde la experimentación, las atmósferas opresivas y la narrativa interna funcionan como ejes centrales de su discurso artístico.
Compuesto entre 2024 y 2025, El Abismo refleja un periodo de transformación personal y creativa para la banda: nuevos integrantes, nuevas sensibilidades y una búsqueda consciente por expandir los límites del Post-Punk latinoamericano. Este espíritu de exploración también se proyecta en lo visual, especialmente a través del videoclip de El Final, una obra oscura y simbólica que dialoga directamente con los conceptos de ruptura, confrontación y autodestrucción que atraviesan el EP.
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Dimensión Nocturna: El Abismo como descenso sonoro al disturbio y la introspección del Post-Punk latinoamericano
Hoy, con Frank Rodríguez en la voz, Adrián Camilo Plata en el bajo, Aldo Rojas en la guitarra y Julián Moreno en la batería, el grupo transita una evolución constante. Fieles a un estilo propio, sus composiciones apuestan por la diversidad de ritmos, voces e instrumentos, experimentando con nuevas técnicas para forjar una identidad que los distinga dentro de la escena latinoamericana contemporánea.
En esta entrevista, Dimensión Nocturna nos invita a descender a ese universo sonoro y conceptual donde el disturbio reemplaza a la contemplación. Agradecemos al portavoz de la banda, quien nos aclara que, en las preguntas sobre el videoclip El Final, decidieron darle voz al Director David Valcárcel, él era el indicado para contar a más detalle lo realizado. Nuevamente en exclusiva para LaCarne Magazine, seguimos uniendo el mundo con el poder de la música y sus protagonistas.
El Abismo marca el tercer EP de la banda. ¿Qué aspectos sienten que consolidan su identidad sonora en esta entrega respecto a Melanosis y sus trabajos previos?
El Abismo representa un punto de consolidación para Dimensión Nocturna porque nos permitió expandir sin miedo los límites que ya habíamos explorado en Melanosis. En esta entrega, la experimentación musical se volvió un eje central del proceso creativo, especialmente a través del uso consciente de samples y capas sonoras que funcionan no sólo como acompañamiento, sino como elementos narrativos. Esto nos permitió ampliar el espectro emocional y atmosférico del proyecto, logrando un sonido más denso, introspectivo y coherente con la identidad que venimos construyendo desde nuestros inicios.
El EP fue compuesto durante un periodo largo, entre 2024 y 2025. ¿Qué cambios personales o creativos vivió la banda que influyeron directamente en la narrativa del disco?
Durante ese periodo, la banda atravesó transformaciones importantes tanto a nivel personal como creativo. La incorporación de nuevos integrantes fue clave, ya que trajo consigo nuevas influencias musicales, distintas sensibilidades y otras formas de interpretar y construir las canciones. Esto enriqueció profundamente el proceso creativo y se reflejó directamente en la narrativa del EP, que se volvió más diversa, compleja y honesta, respondiendo a un momento de cambio y reconfiguración interna.
El orden de los temas parece construir un descenso emocional progresivo. ¿La secuencia fue planteada conceptualmente desde el inicio o surgió durante la grabación?
La secuencia se definió una vez el EP estuvo completamente consolidado, teniendo en cuenta la intención emocional de cada canción y el contenido de sus letras, buscando un recorrido coherente y progresivo.
Son conocidos por explorar nuevas texturas dentro del Post-Punk colombiano y latinoamericano. ¿Qué técnicas, instrumentos o procesos experimentales debutan por primera vez en El Abismo?
En El Abismo exploramos recursos poco habituales dentro del Post-Punk, como el uso de métricas irregulares que rompen con la estructura tradicional del género. También profundizamos en la construcción de atmósferas más densas y envolventes mediante samples, texturas electrónicas y capas ambientales, lo que nos permitió crear paisajes sonoros más oscuros y opresivos, acordes con el concepto del EP.
¿Cuál fue el mayor desafío al producir un EP con un carácter tan introspectivo y a la vez tan contundente en términos de energía sonora?
Más que un desafío, fue un ejercicio de libertad creativa. Nos permitimos experimentar sin restricciones con cada instrumento y cada idea. El verdadero trabajo estuvo en lograr que todas esas exploraciones convivieran entre sí y se unificaran en un sonido sólido y representativo para todos los integrantes. El reto fue encontrar ese punto de equilibrio entre introspección y fuerza, sin perder la identidad de la banda.
El Final funciona como puerta de entrada al universo de El Abismo. ¿Por qué esta canción debía ser el primer sencillo y qué representa dentro del concepto global del EP?
Sentimos que El Final era la mejor carta de presentación del EP porque condensa de forma muy clara tanto el sonido como el concepto de El Abismo. A nivel emocional y sonoro, es una canción que introduce al oyente en el clima oscuro e introspectivo del disco. Además, nos interesaba jugar con el título: que “El Final” representara, paradójicamente, un nuevo comienzo, una ruptura necesaria para dar paso a algo distinto.
¿Cómo fue el diálogo interno entre letra, interpretación vocal y atmósfera instrumental para capturar el sentimiento de cierre o ruptura que transmite la canción?
La construcción de la voz siempre partió de la instrumental. Nos dejamos guiar por la musicalidad, las dinámicas y la intención emocional de cada arreglo. La interpretación vocal busca integrarse como una capa más dentro de la atmósfera general, reforzando el sentimiento de cierre, desgaste y ruptura que atraviesa la canción, sin imponerse de manera artificial.
El videoclip presenta una estética oscura, simbólica y cinematográfica. ¿Cómo nació la idea visual que finalmente se llevó a pantalla?
La idea nace de la cooperación entre yo, el director y la banda. Tiramos algunas ideas, yo plasmé una primera versión de guión, tuve devolución y a partir de ahí afinamos. Debían ser imágenes agresivas, rápidas, cortantes como la canción.
A grandes rasgos circulaba esta idea de la autodestrucción y para mí era fundamental que esa idea también se reforzara desde el espacio que recorre el personaje de Astrid. Necesitaba filmar en exteriores, en el azar del afuera, Bogotá es una ciudad de mucho rigor y creo que sus formas también refuerzan esa sensación que imprime en la gente.
Los dientes, la sangre, las heridas, los tatuajes, para mi representan lo primigenio del Ser, lo que nos constituye, esas marcas que llevamos durante la vida, algunas visibles otras internas, transformaciones, al fin y al cabo.
Los monumentos, el brutalismo y la arquitectura de Bogotá es el espacio anacrónico, de un pasado esplendoroso, y ahora en ruinas punzantes, agresivas. Son estructuras pesadas, afiladas, imponentes, que configuran distancias, aislamientos.
Y el fuego, para mí, es lo que envuelve todo, es un elemento mágico desde donde se desprende la vida y se funde la muerte.
A nivel formal con Juli, el Director de foto, acordamos que la idea era mantener esa aspereza, cámara en mano, encuadres opresivos enmarcados entre las estructuras de la ciudad, cámara cerca a los personajes, aprovechar la luz natural y artificial de la ciudad, fuera de focos poco prolijos, nivel de enfoque corto, barridos, abstracciones. El dosificado del color también apuntamos que sumara en la misma línea, mediante el alto contraste, reforzando los contraluces, ambientes de días fríos-azulados-magentosos contra noches verdes-cían.
Y otro factor determinante, el azar de filmar con bajo presupuesto y en la calle. Así como te limita en algunas cosas, te regala sorpresas que son únicas para la identidad del video.
Post-Punk oscuro, introspectivo y sin concesiones
La dirección de David Valcárcel aporta una narrativa muy marcada. ¿Qué les sorprendió o impactó más de su enfoque creativo?
Nos sorprendió profundamente la forma en que David logró materializar visualmente los sentimientos de la canción. Su enfoque creativo dio como resultado ambientes pesados, oscuros y visualmente opresivos, que conectan de manera directa con la atmósfera del EP y potencian el mensaje emocional de El Final.
El trabajo de maquillaje y efectos especiales tiene un peso notable en la identidad del video. ¿Qué buscaban transmitir con estas decisiones visuales?
Tenían que ser crudos, darle carácter a Astrid y que tuviera una progresión. Cuando nacemos somos fetos envueltos en fluidos, un poco repugnante para esa idea preciosista de la belleza que concibe gran parte de la sociedad occidental actual. Y en esa repugnancia también hay algo de belleza porque es inherente a la vida, así que quería que las heridas, la sangre, fueran algo que se erigiera en el personaje, que lo contemplara, que conviviera con eso como toca en la vida. Sin duda los aportes de Manuela, quien nos asesoró en la pre producción, y Marie, quien terminó produciendo y mejorando estas ideas de maquillaje, fueron esenciales.
La participación de la actriz Nana 13Th y del elenco de extras agrega capas interpretativas. ¿Cómo se eligieron los roles y qué buscaban reflejar a través de sus presencias?
Los roles se eligieron entre las personas que querían ser parte del proyecto, teníamos limitados recursos, así que para todas las áreas eso era una condición. Nana se ofreció, encajaba perfecto con lo que pensábamos, y, más allá de que nos contó que no tenía mucha experiencia actuando, lo que construyó y generó frente a cámara fue muy poderoso.
Para mí, la mujer dentro del universo y espacio social es resistencia, fortaleza, así que era fundamental que quien atravesara estos estados y lugares en soledad fuera una mujer y la banda estuvo de acuerdo. Por ese carácter dócil, delicado que se ha querido construir en el imaginario social, y para el hombre, es muy distante de su posición como generadora y portadora de vida. Hay un gran dolor y resiliencia para concebir.
Además, buscamos que tuviera tatuajes, porque son heridas que llevamos, y eso aportaba a esa construcción de soportar el dolor -que es parte de la existencia-.
Y las chicas extras: Ela i Dani, Gabriela y Luisa, la idea era que representaran esa fuerza opuesta a la que se enfrenta Astrid, también femenina, podría ser un opuesto de sí misma, o una fuerza producida por el entorno, por la ciudad, algo abstracto, casi como un ente que lucha con Astrid. Todas ellas eran amigas de Dimensión Nocturna y encajaban perfecto con lo que buscamos. Todas con una predisposición esencial, fueron muy valiosas.
El videoclip parece dialogar con temas como la pérdida, la confrontación interna y la desaparición simbólica. ¿Cómo encaja esta obra visual dentro del universo conceptual del EP?
Cuando comenzamos a pensar en armar algo audiovisual para el EP, Dimensión Nocturna me compartió varios de los temas que ya tenían casi listos. Todos tienen una energía propia muy potente, pero cada uno le aporta un estado diferente al EP. Yo escuché varias veces los temas mientras escribía el guion, así que esas influencias de sonidos, de letras, sensaciones, quedaron en algunos lugares del video. Cuando escuchaba las canciones, podía establecer como un recorrido, un viaje de imágenes, sensaciones y eso me parecía interesante que transitara a través de Astrid y su espacio.
La perdida, la confrontación interna y la desaparición, no sólo simbólicas sino también tangibles, son inseparables de la existencia, de estar, de subsistir, de sobrevivir. Creo que todo lo anterior y varias cosas más evoca Dimensión Nocturna en El Abismo. Pasamos de la observación al disturbio.
¿Qué es la música para Dimensión Nocturna?
La música es un medio de comunicación profunda: una forma de expresar pensamientos, sentimientos y vivencias que muchas veces no pueden decirse de otra manera. También es un canal de desahogo del alma, un espacio donde transformamos lo oscuro y lo íntimo en sonido.
El EP fue grabado en su propio Estudio y mezclado/masterizado por Joan Sebastián Herrera. ¿Cómo influyó esta dinámica Home Estudio en la intimidad y crudeza del sonido final?
La dinámica de trabajar en nuestro propio Estudio influyó de manera muy positiva, ya que nos dio total libertad para experimentar sin presiones externas. Esto permitió capturar un sonido más íntimo y crudo. Destacamos especialmente el trabajo de Joan Sebastián Herrera, quien supo interpretar y materializar con precisión el sonido al que queríamos llegar.
Discos Maraña editará El Abismo. ¿Qué significa para ustedes trabajar con un Sello que impulsa proyectos experimentales dentro de la región?
Nos sentimos profundamente honrados de formar parte de un Sello que apoya algunas de las propuestas más interesantes del Post-Punk y sus derivados en nuestro país. Discos Maraña representa un espacio donde la experimentación y la identidad artística son valoradas, y eso conecta plenamente con nuestra visión como banda.
¿Cómo les fue con la gira El Abismo Tour, presentando el nuevo EP que recorrió varias ciudades de Colombia?
La experiencia fue muy gratificante. Quedamos sorprendidos y agradecidos por el recibimiento en cada ciudad. Sentimos una afinidad real y un apoyo genuino hacia nuestra música, lo que reafirma la conexión que se está construyendo entre la banda y el público.
¿Cómo perciben el lugar del Post-Punk y el Darkwave en la escena colombiana y latinoamericana hasta el presente 2026, y dónde se ubica El Abismo dentro de ese mapa?
Percibimos una escena en constante crecimiento, con un impacto fuerte especialmente en las nuevas generaciones. Hay una búsqueda clara por sonidos más oscuros y expresivos. Creemos que El Abismo ocupa un lugar importante dentro de ese mapa, precisamente por proponer sonoridades que se salen de lo tradicional y apuestan por una identidad propia.
Ustedes suelen involucrarse también en espacios de formación y diálogo, como conversatorios sobre jóvenes en la música. ¿Qué les interesa promover desde esos encuentros?
Aunque no participamos constantemente en estos espacios, nos interesa motivar a los jóvenes a encontrar en la música una pasión y un canal de desahogo, y como banda joven, aportar al crecimiento de la escena.
Sus palabras de despedida para los seguidores de Dimensión Nocturna y para los lectores de LaCarne Magazine.
Estamos muy agradecidos por la invitación a esta entrevista y por permitirnos compartir detalles de lo que construye a Dimensión Nocturna. Invitamos a los lectores a escuchar más Post-Punk colombiano y a apoyar a sus bandas locales.
Dimensión Nocturna no sólo entrega un EP: propone una experiencia. El Abismo se despliega como un territorio donde el sonido, la imagen y la emoción dialogan sin concesiones, afirmando una identidad que entiende al Post-Punk como un espacio vivo, en mutación constante. Desde la densidad atmosférica hasta la crudeza conceptual del videoclip El Final, la banda bogotana demuestra que el disturbio también puede ser lenguaje, y que en la introspección más oscura se revelan nuevas formas de verdad artística.
En tiempos donde la escena latinoamericana busca nuevas voces y narrativas propias, Dimensión Nocturna se posiciona como un proyecto que no teme mirar hacia adentro ni romper estructuras. El Abismo es ruptura, transformación y resistencia: un testimonio sonoro de una banda que avanza sin frenos, fiel a su visión y abierta al riesgo creativo. Desde LaCarne Magazine celebramos este descenso consciente a las profundidades, convencidos de que allí, donde incomoda y arde, también nace la música que deja huella.
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