Estructurando tu set en directo (desde el punto de vista informático)
por Skinnerbox
Sigue a Skinnerbox en su viaje para explicar cómo tocar música electrónica en directo.
Parte 1: Cómo tocar música electrónica en directo: una introducción.
Parte 2: Aquí debajo
¡Hola y bienvenido de nuevo al siguiente capítulo de nuestro blog!
La última vez rozamos la punta del iceberg sobre cómo “tocar música electrónica en directo” y hoy estamos listos para atravesarlo con nuestra robusta embarcación. ¡Esperamos que tu también lo estés!
Como sugiere el título, vamos a hablar de la estructuración de tu live set en vivo utilizando Ableton Live (lo siento amigos, sabemos que hay otras plataformas por ahí, pero no consideramos realmente ningún otro software como una alternativa seria cuando se trata del buen rendimiento de un espectáculo no lineal, de música electrónica en directo) poniendo de relieve el controllerism. Como esta es mi (Iftah) parte del trabajo, voy a escribir este artículo y mientras desmontar por completo mi live set, con el fin de ayudarte a estructurar el tuyo.
Asumo que posees cierto conocimiento básico sobre música creada con el ordenador, si no es así y quieres seguir leyendo esto ¡internet es tu mejor amigo! Ahí encontrarás suficientes recursos que te ayudarán para poder empezar.
Manteniendo las cosas lúcidas
La disposición de mi live set es básicamente muy sencilla. Utilizo una controladora basada en arduino hecha por mí mismo en 2010 y dos monomes. La primera actúa como un lanzador de clip (clip launcher) y la segunda para secuencias de percusión y poder cortar un poco el material de audio. Bajo la cubierta (hood) hay gran cantidad de “max” para realizar directos, aunque los fundamentos de mi set deberían ser suficientes para cualquier persona que quiera tocar en directo usando un ordenador.
Como ya comentamos la última vez, nosotros tocamos música improvisada en directo. Obviamente utilizo Ableton Live en modo sesión, ya que me permite combinar un infinito número de clips de audio con diferentes tonos, time signatures y partes de bucles (loop lengths) con nueva música sobre la marcha.
Durante el set tengo 5 canales de audio repartidos en las siguientes categorías:
– Bajo, que contiene líneas de bajo (basslines)
– Melodías, que contiene fragmentos musicales, líneas ie, pads o cualquier melodía definida
– Vocales, para líneas de voz o cualquier cosa relacionada con discursos
– Disco, para percusión y bucles de batería (drum loops)
– Restos (Cajón desastre), para cualquier otra cosa que no encaje en las otras categorías.
Además, yo tengo 3 grupos de percusión (drum groups) divididos en Kicks, Hats y Perc (cajas/snares, claps, toms, y todo lo demás).
De esta forma obtengo en total 8 pistas. Yo te recomendaría encarecidamente que empieces con esta cantidad aproximada por diferentes motivos: Primero, la mayoría de controladoras midis estándar son para 8 pistas/líneas. Lo último que quieres hacer cuando estás tocando un directo es cambiar de página a página. Todo lo que quieres controlar debería estar a mano. Por supuesto podrías seguramente conseguir otra controladora, pero esto (y aquí viene el segundo motivo) podría llevarte a un exceso de control.
En la cuenta de clips, sin embargo, mi set contiene actualmente 1626 clips, que, vaya, es mucho y me costó diez años recopilarla. Tú no necesitas tantos para empezar, obviamente, pero cuando llegues a conocer tu directo de verdad y saber manejar tus necesidades, es mejor tener mucho material, especialmente si vas a improvisar.
Organizar tus clips es una cosa personal, creo. Mientras algunos prefieren organizarlos por clave, yo prefiero tenerlos ordenados por estilos – por ejemplo, sonido sintético, acústica, etc. Si trabajas con gran cantidad de clips como yo, recomiendo dejar un par de scenes vacíos entre cada grupo de clips, ya que esto ayuda a obtener una mejor visión de conjunto de tus localizaciones.
Limitación como utilidad creativa
La limitación es en realidad una gran herramienta que te obliga a ser creativo. Demos por sentado que tu live set tiene 8 pistas y una controladora midi de 8 lineas, 24 pots y algunos botones. Naturalmente tendrías diferentes unidades de efectos en cada pista, más otras diferentes en la pista principal (master track).
Lo más probable es que no vayas a ser capaz de controlar a distancia todos los parámetros que te gustaría porque, tarde o temprano, vas a estar fuera de control. Debes decidir cuáles son los más importantes para ser controlados de forma individual y el resto debe ser “controlado en bloque” con la técnica de “major tom”, que es muy eficaz. Un ejemplo muy simple: Construye tu propio soporte master fx de un reverb, un filtro hi-pass y un compresor de cadena lateral (side-chain compressor). Deja tu bass-drum esquivar el compresor, asigna un fader para controlar el dry/wet de la reverberación, la frecuencia del filtro y el umbral de la compresión, ajusta los rangos y verás una lucecita roja parpadeante en el momento necesario, todo controlado por un fader.
Tratando tu controladora como un instrumento
Debes invertir mucho rato poniendo a punto tu controladora midi. Experimenta con diferentes mapeos y observa cuál funciona mejor para ti. Una vez que sientas tener el correcto, ¡practica! Evita etiquetar tu controladora, deberías notarlo por (lo que te dicte) el corazón. Etiquetarla solo te distraerá y matará tu intuición, tampoco miras directamente a las cuerdas de la guitarra cuando estas tocando, ¿o sí lo haces?
En mi opinión, lo que hace de un instrumento electrónico un gran instrumento es la adecuada gama de sintonización de los diferentes parámetros. La Roland’s jupiter 6 por ejemplo, un sinte polifónico analógino asombroso, pero la resonancia de filtro es simplemente inservible cuando el fader está por encima de 4. Ableton live te da la posibilidad de ajustar los rangos de parámetro mapeados. Deberías hacer uso extensivo de esta aplicación. Si quieres utilizar un “Simple Delay” como una combinación de efecto (comb effect) por ejemplo, no tiene sentido usar todo el rango de tiempo del delay. También es poco probable que quieras que tu mezcla de reverb llegue al 100% o que tu sintetizador virtual (soft-synth) cubra rampas de ataque (attack ramps) de 60 segundos. Tómate tu tiempo y averigua todos los puntos clave. Este es un motivo para ignorar cualquier función de auto-mapping de tu controladora y crea tu propios mapeos. Si es posible, evita usar codificadores. Estos son geniales para el estudio, pero son realmente malos para la mayoría de situaciones en directo por no tener una respuesta muy musical.
Haciendo las cosas simples para hacer de lo complicado algo divertido
Otra parte muy importante del proceso es averiguar qué es lo que realmente quieres hacer cuando tocas en directo. Siendo que solo tienes dos manos y una cantidad limitada de herramientas de control, deberás tomar algunas decisiones. Yo mismo, por ejemplo, me concentro en poner diferentes clips, cortándolos, secuenciando en directo la percusión y en hacer alguna alteración de efectos. Una cosa de la que no quiero preocuparme cuando toco en directo es la dinámica de los diferentes componentes. Quiero que suene todo perfectamente mezclado, así que me aseguro de ello en el estudio y cuando hago el live, en realidad no tengo control sobre los diferentes niveles de los canales. Por el contrario, tengo un filtro bajo sin reverb en cada canal y uso el fader para controlarlo. Cuando el fader termina bajo, la pista también está siendo silenciada. Esto me permite mezclar canales de salida y entrada sabiendo que la dinámica funcionará.
El botón “four to the floor”
Una técnica de gran ayuda es crearte tu mismo algún tipo de tecla y con esto me refiero, a una tecla que te permita volver a la normalidad si comentes algún fallo. He aquí un ejemplo: Yo secuencio mis percusiones usando un max para parches en directo que escribí, el cual es controlado por el monome. El parche graba a tiempo real: yo puedo tocar los sonidos de percusión sobre los pads y los tengo en bucle y cuantificados.
A veces me gusta hacer algunos breaks de percusión fuertes y ritmos rotos y luego volver al buen “four to the floor”, por lo que he programado un botón que hace precisamente eso. Inocentemente lo llamé allá por el 2010 “Ven con Papá” y resultó ser uno de los elementos más utilizados en mi set. Este método se puede aplicar de muchas maneras, por ejemplo, si trabajas mucho con los efectos, puedes asignar un botón del mando para apagarlos. Esto te permitirá cambiar radicalmente tu sonido y volver a empezar de cero con pulsando un botón. Esto es en realidad, desde mi perspectiva, un elemento central de la música electrónica de baile, ya que casi todo gira en torno a crear tensión y romperla.
No olvides alimentar a la bestia
Mantener tu set y recopilar nuevo material es algo muy importante. Yo empleo 1-2 horas a la semana haciendo simplemente eso. ¿Aquella pista que nunca terminaste porque no podías pasar la barrera del bucle? Extrae algunos elementos centrales y colócalos en tu set. Úsalos en combinación con otros elementos existentes. ¡Remezcla tu mismo! ¿Viste un video fantástico de un instrumento exótico en YouTube? ¡Samplealo y córtalo! (No olvides comprobar la licencia). ¿Volviendo de una fiesta de 48 horas durante el finde y de camino a casa escuchas una línea de bajo fantasma lupeandose con el sonido del tren? ¡Hazte un boceto con ella! Todo tiene cabida aquí. Yo trato mi directo como un eterno parque infantil, donde – a diferencia de nuestras producciones de estudio – experimentación y entretenimiento son prioridad para la perfección. Se supone que sirve como un refugio para el exorcismo creativo.
¡Esto es todo por ahora, volveremos el próximo mes con más información sobre la creación de música en directo!
