Union Avenue emerge como una de las propuestas más vibrantes de la escena vintage estadounidense, un trío que ha logrado capturar la esencia más pura del Rock & Roll clásico sin convertirla en un ejercicio nostálgico, sino en una experiencia viva, eléctrica y profundamente contemporánea. Su sonido, que bebe del Rockabilly, el Jump Blues y el Country primigenio, demuestra que aún es posible regresar a las raíces sin perder frescura ni autenticidad. Cada acorde, cada golpe de batería y cada línea de contrabajo parece escapar directamente de los años 50, pero con la fuerza y el carácter de una banda que entiende su tiempo y sabe cómo conectarlo con el presente.
En esta entrevista exclusiva para LaCarne Magazine, Union Avenue abre las puertas a su universo creativo: desde su inesperado origen y la reinvención que los llevó a consolidarse como power trio, hasta el proceso detrás de Moonlight Madness, un álbum que confirma su visión artística y su compromiso con los formatos físicos, la puesta en escena y la música En Vivo. Conversar con ellos es entrar en contacto con la pasión que impulsa a quienes todavía creen que el Rock & Roll tiene alma, historia, y, sobre todo, un futuro por conquistar.
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Union Avenue, El Espíritu Auténtico del Rock & Roll estadounidense
Union Avenue mantiene vivo el espíritu del Rock & Roll de los años 50. ¿Cómo se formó la banda y qué os unió en torno a un sonido tan clásico?
Los cimientos de Union Avenue se sentaron en un concierto de J.D. McPherson en 2015. Christopher Myers, Steve Knecht y el guitarrista Rob Fogler asistieron al concierto, y, decidieron formar una nueva banda centrada en la música Rockabilly más desconocida de Sun Records y otros sellos discográficos vintage.
La inspiración para el nombre Union Avenue vino dada por Sun Records, ya que el Estudio de grabación Sun se encuentra en Union Avenue, en Memphis, Tennessee. Los primeros intentos de formar la banda no funcionaron y Rob Fogler acabó abandonándola, mientras que Christopher Myers se mudó a Kentucky.
El COVID azotó el mundo y, cuando terminó, Steve Knecht le envió un mensaje a Christopher para ver si seguía viviendo en Kentucky. Él había regresado a Bloomington, Illinois, así que los dos decidieron intentar formar Union Avenue de nuevo. Publicaron un anuncio en Facebook para encontrar un baterista y, cuando se unió Chris Manzella, la banda finalmente tomó forma. Solo pasó un mes desde el primer ensayo hasta el primer concierto.
¿Qué recuerdas de aquellos primeros ensayos y primeras actuaciones en Bloomington, Illinois? ¿Qué influencias musicales los han marcado?
Lo más difícil de los primeros ensayos fue explicarle al nuevo baterista, Chris Manzella, en qué consistía la música Rockabilly. Chris era un baterista de Hard Rock con mucha experiencia, especializado en el Rock Clásico de los años 70. Me costó mucho explicarle la interacción entre la batería y el contrabajo slap. Trabajó duro y pronto descubrió que gran parte de la música que había estado tocando anteriormente, tenía sus raíces en el Rockabilly y el Jump Blues.
El primer concierto fue un éxito instantáneo, lo que nos llevó a recibir una invitación para tocar en un festival local de cerveza artesanal ante cientos de personas. La mayoría de la gente del centro de Illinois no estaba familiarizada con la música Rockabilly, pero fue inmediatamente acogida por todo el público.
Su sonido combina Rockabilly, Jump Blues y Country Clásico. ¿Cómo logran equilibrar estas influencias dentro de un estilo tan distintivo?
Christopher y Steve siempre han escuchado esos estilos de música y se sienten atraídos de forma innata por las letras, las estructuras de acordes y los estilos de interpretación, que, hacen que la música destaque sobre otros estilos. Cuando tocamos una canción de Jump Blues, nos fijamos en todos nuestros héroes del Jump Blues. Lo mismo ocurre con el Country Clásico. Como sólo somos un trío, tuvimos que averiguar cómo hacer el trabajo sonoro de una banda de 5 a 8 miembros que toca esos estilos.
Gran parte de eso lo logramos gracias a nuestro actual baterista, Francis Lucente, y al slap bass de Steve, que establecen un ritmo sólido que encaja perfectamente con el estilo -de guitarra fiel a la época- de Christopher. Practicamos y practicamos hasta que el sentimiento de cada canción sea exactamente el que queremos.
Moonlight Madness transmite energía y frescura. ¿Cómo fue el proceso de composición y grabación?
Christopher compuso cinco canciones y Steve compuso otras cinco. Pero la estructura final de cada canción fue fruto de la colaboración, aprovechando los puntos fuertes de cada músico. Por ejemplo, Christopher compuso Shuffle My Baby, Steve añadió la línea de bajo y Francis encontró el ritmo de batería perfecto para dar cohesión al conjunto. Trabajamos juntos como un equipo para crear música que todos disfrutamos tocando.
El proceso de grabación fue muy diferente al de nuestro primer disco -de 45 rpm Extended Play (EP)-, Union Avenue (2022). Union Avenue se grabó para que tuviera el estilo de un disco grabado en Sun Studio en 1954: mono, En Directo, con slapback real. Moonlight Madness fue un álbum mucho más producido: estéreo, digital, con muchas sobregrabaciones para garantizar unas pistas vocales buenas y limpias. Fue una experiencia totalmente diferente a la que tuvimos con el 45 original.
¿Dónde se grabó el álbum y quién se encargó de la producción?
Moonlight Madness se grabó en Boonville Studio (Danvers, Illinois) por Marc Boon y Glen Beccue. La masterización final corrió a cargo de Doug Reynolds en Resonance Mastering (Bloomington, Illinois). Tanto el Estudio como Resonance Mastering estaban muy cerca, lo que ayudó a crear el álbum en menos tiempo. El disco se prensó en Gotta Groove Records (Cleveland, Ohio). El álbum se produjo en vinilo audiófilo de 180 gramos para conservar la calidad del sonido.
El disco tiene un sonido muy auténtico, como si se hubiera grabado en la década de 1950. ¿Utilizaron técnicas o equipos vintage para conseguir ese carácter?
El auténtico sonido de los años 50 de Moonlight Madness se puede atribuir a los músicos y al estilo que tocan. El guitarrista Christopher Myers toca de una manera que recuerda a los músicos de las oscuras pistas de Sun Records, algunas de las cuales ni siquiera se publicaron en la década de 1950. Los artistas de entonces no eran virtuosos de la guitarra, sino más bien adolescentes revoltosos que tocaban su primera guitarra y cantaban con toda su alma, con la esperanza de salir algún día en la radio. Además, la “magia de Estudio” estaba prácticamente prohibida, así conservar ese sonido Rockabilly “perfectamente imperfecto”.
¿Quién diseñó la portada del álbum y cuál es el significado detrás de la obra de arte de Moonlight Madness?
El concepto del arte del álbum en Moonlight Madness fue idea de Christopher Myers. Christopher tiene un profundo conocimiento no sólo del arte moderno y la publicidad de mediados de siglo, sino también de las expresiones modernas de la época. Christopher esbozó un concepto aproximado y contrató a la popular artista ucraniana Sveta Shubina para que realizara el arte real de la portada. El diseño del resto del álbum fue realizado por Patty Young, de PY Graphics (Bloomington, Illinois).
La portada es una mezcla de varios títulos de canciones. El coche que aparece en ella es un Chevy de 1954 (porque Christopher tenía uno verde de ese año) y representa la canción 54. La luna es por Moon Crazy Baby. La modelo pin-up representa a la modelo del video de Hot Rod Queen. Y los cuernos y la cola del diablo de la pin-up representan la canción Unholy.
Moonlight Madness: identidad, raíces y evolución
¿Cómo describirían el ambiente general del álbum? ¿Qué tipo de temas exploran?
El objetivo del álbum era mostrar música original, ya que nuestro anterior EP de 45 rpm y el CD que lo acompañaba, eran todas versiones. Las canciones se escribieron en los diferentes estilos que nos gustan, tratando de capturar la energía y la mentalidad de los años 50. El producto tiene temas de rebelión, amor perdido y entusiasmo puro por los coches tuneados.
Hot Rod Queen fue el primer sencillo y tiene un video musical muy representativo. ¿Cómo surgió la idea y cómo fue grabarlo en el Harvest Moon Drive-In Theatre?
Una vez más, la mente de mediados de siglo de Christopher Myers ideó el concepto básico y luego toda la banda aportó ideas hasta que el video fue plasmado en un guion gráfico por el videógrafo Shea Grehan (Normal, Illinois). A diferencia de nuestro primer video para Uranium Rock, que se filmó en blanco y negro con película Kodak Super 8, Hot Rod Queen se concibió a todo color y con una rica producción para capturar la mística de los autocines estadounidenses de los años 50.
Christopher acude habitualmente al autocine Harvest Moon Drive In y pidió a los propietarios que nos dejaran grabar allí. Fue una noche muy ajetreada, ya que tuvimos que colocar todos los coches antiguos y a los extras en sus sitios para todas las tomas, pero el resultado final mereció sin duda el esfuerzo.
¿Qué pretenden transmitir visualmente con ese video y cómo conectan la estética clásica con la energía de sus presentaciones En Vivo?
Hot Rod Queen se ha convertido en una de las favoritas de los fans en nuestras presentaciones En Vivo. Pedimos al público que cante con nosotros y levante los puños al aire cuando gritan “Hot Rod Queen”, tal y como lo hicieron en el video. Ha sido genial ver a tantos fans unirse y sumarse a nuestra energía en nuestros conciertos.
Entre las canciones del álbum, Moon Crazy Baby destaca por su ritmo bailable y su espíritu rebelde. ¿Qué nos puedes contar sobre la historia detrás de esa canción?
“Moon Crazy Baby” fue escrita por Steve Knecht. Se despertó en mitad de la noche durante una luna llena y escribió la letra en un bloc de notas que tenía junto a la cama. La inspiración para la canción proviene de las miles de canciones de Rockabilly, Western-Swing, Hillbilly Bop y Country Clásico que hemos escuchado durante años. En mitad de la noche, a veces surgen grandes canciones, y el slap bass y la línea de batería hacen que sea muy difícil quedarse quieto.
Durante sus conciertos y dentro del nuevo álbum, ¿tienes alguna canción favorita que capture mejor la experiencia En Vivo de Union Avenue?
La naturaleza variada de las canciones de Moonlight Madness ayuda a establecer el tono de los conciertos En Vivo. Desde el ritmo relajado de Shuffle My Baby hasta el himno rebelde y bullicioso Bow Down. Y, por supuesto, canciones de Hot Rod como 54 y Hot Rod Queen que hacen bailar al público. A los fans les gusta mucho que nuestras canciones no suenen todas igual en cuanto a tempo y energía. Tenemos muchos seguidores que bailan Swing, por lo que les gusta que variemos la velocidad y la energía de las canciones.
Moonlight Madness también se publicó en vinilo y CD. ¿Qué significa para ustedes mantener vivos los formatos físicos en la era digital?
En el primer festival de Rockabilly en el que tocamos (Eastside Boogie, Nashville, Tennessee, 2022), cuando terminamos nuestra actuación, todo el mundo nos preguntó: “¿Dónde están vuestros discos?”. En ese momento aún no teníamos ningún disco ni CD. En la cultura de los festivales de Rockabilly es bien sabido que las bandas deben tener discos y CD para los fans. Quieren tener algo tangible para recordar a la banda y al evento. Además, como banda, estamos comprometidos con el resurgimiento de la popularidad de los discos de vinilo. Espero que todos los álbumes que lancemos estén disponibles en vinilo.
En octubre, hicieron una gira por Europa con el Moonlight Madness Europe Tour 2025, actuando en los Países Bajos y Bélgica. ¿Cómo fue la experiencia de tocar para el público europeo?
Otras bandas que estaban de gira nos dijeron que tocar en Europa era diferente a tocar en Estados Unidos, ¡y no se equivocaban! El público europeo se involucra más en la actuación y tiende a tratar a los músicos como artistas. Conocimos a mucha gente maravillosa y amable durante nuestra gira. Espero que podamos seguir de gira por Europa tanto como nos lo podamos permitir, porque la experiencia es muy gratificante.
¿Qué mensaje les darían a las nuevas generaciones que sueñan con hacer música y formar sus propias bandas?
La música En Vivo parece estar siendo atacada por la inteligencia artificial. Es responsabilidad de todos seguir haciendo música En Vivo y conectar de verdad con el público en persona. No confíes en la tecnología para crear música por ti, sal ahí fuera y crea tú música. Encontrarás un público que aprecie lo que creas. No te detengas hasta encontrar a los compañeros de banda adecuados que te ayuden a alcanzar un nivel superior. No se trata del dinero, se trata de compartir tu arte.
¿Qué significa la música para Union Avenue?
La música es una pasión que nos consume. No sólo la música que tocamos nosotros, sino todo tipo de música. La música es una fuerza vital. Es el color que se añade a un mundo en blanco y negro. Desde el canto de los pájaros hasta las grandes orquestas sinfónicas, el mundo es un lugar mejor cuando hay música en abundancia.
Vuestros conciertos en Estados Unidos han tenido muy buena acogida. Además de presentar el nuevo álbum, ¿qué nos podéis contar sobre esa experiencia y vuestra conexión con el público local?
Como tantas otras bandas, empezamos con el deseo de llevar nuestra música al público y ser apreciados. Nunca esperamos que creciera tan rápido una vez que estuvimos frente a la gente. La música que tocamos resuena en personas de todas las edades. Desde niños pequeños que bailan en círculos frente al escenario hasta personas de 80 años que recuerdan haber escuchado esta música cuando eran adolescentes. Nos siguen varios clubes de baile Swing, lo que sin duda contribuye a la energía de nuestros espectáculos.
Nos alimentamos del entusiasmo del público y ellos, a su vez, reaccionan a nuestra mayor energía. Es una especie de trabajo en equipo entre la banda y el público. Es contagioso y nuestra popularidad parece estar creciendo. Hacemos lo que hacemos por el público. Ellos hacen que tocar música sea gratificante.
El Rockabilly tiene un estilo y una cultura muy característicos. ¿Qué bandas o álbumes recomendarían a todo coleccionista?
La época auténtica del Rockabilly original fue muy breve (quizás entre 1954 y 1957), pero durante ese periodo se crearon muchas bandas excelentes. Sin duda, cualquier cosa de Sun Records, Starday Records, King Records. Hay mucha música excelente que se grabó en los años 50, pero que no se publicó hasta los 80 y más tarde en sellos como Bear Family, Charley, Rhino. Hay muchas recopilaciones excelentes entre las que elegir. Y artistas modernos de todo el mundo como JD McPherson, The Belfuries, The Country Side of Harmonica Sam, Marcel Riesco, etc. La lista es interminable.
Por último, ¿qué le depara el futuro a Union Avenue después de Moonlight Madness? ¿Alguna noticia o sorpresa que puedas compartir?
Union Avenue ha sido contratada para actuar en el Viva Las Vegas Rockabilly Weekender en Las Vegas, Nevada, EE. UU., el próximo abril de 2026. Viva Las Vegas es uno de los festivales de Rockabilly más grandes del mundo. Actualmente estamos trabajando en canciones para un nuevo disco de 45 rpm que se lanzará en Viva Las Vegas. También nos han propuesto actuar en el Retro Festival de Bethune, Francia, en agosto de 2026. Trabajaremos en un nuevo álbum completo para que esté listo para ese festival.
Sus últimas palabras para los fans de Union Avenue y para los lectores de LaCarne Magazine.
Nuestro éxito se lo debemos a las personas que disfrutan de nuestra música. A ustedes les prometemos crecer, evolucionar y ser fieles guardianes de la música Rockabilly En Vivo. Mil gracias a cada uno de ustedes.
Union Avenue cierra esta entrevista reafirmando el vínculo profundo que mantiene con el público que ha impulsado su crecimiento. La banda reconoce que cada paso, desde los pequeños escenarios locales hasta las giras internacionales, ha sido posible gracias al entusiasmo de quienes creen en su propuesta y en la vigencia del Rockabilly. Su compromiso es seguir evolucionando sin perder la esencia que los define: energía, autenticidad y una pasión intacta por la música En Vivo.
Para los lectores de LaCarne Magazine y para todos sus seguidores, Union Avenue promete continuar como un guardián fiel del espíritu clásico del Rock & Roll. Con nuevos discos en camino y futuras presentaciones que ya generan expectativa, la banda encara el futuro con la misma fuerza rebelde que caracteriza su sonido. Agradecen a cada persona que escucha, baila y comparte su música, porque sin ese apoyo —dicen— nada de lo que hacen tendría sentido. ¡Muchos éxitos y bendiciones en su auténtico camino musical!
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