Bosstown Sound, la Psicodelia de la Costa Este

El término Bosstown Sound describe una agrupación de músicos de los años 60 de la ciudad de Boston, además de ser el eslogan de una campaña de marketing para promocionar el rock psicodélico de esta ciudad, con el fin de competir con el famoso sonido de la Costa Oeste, San Francisco Sound.

El concepto fue concebido por el productor del sello MGM y veterano arreglista Alan Lorber, por aquel entonces compositor de bandas sonoras para películas y especiales de televisión.

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Bosstown Sound, un marketing fallido

El Bosstown Sound se promocionó como una forma de aprovechar la esencia alucinógena de la psicodelia, también conocida en la época como rock ácido. Había un puñado de bandas establecidas que estaban teniendo cierto éxito, como The Lost, The Hallucinations, The Ramrods, The Barbarians o Barry & the Remains, famosos por su tema Don’t Look Back.

Sin embargo, Ultimate Spinach, Orpheus y Beacon Street Union fueron los más representativos de esta escena musical del Bosstown Sound, que captó brevemente el interés de la cultura juvenil, y las grabaciones de los grupos de Boston alcanzaron buenas posiciones en la lista Billboard 200. El eslogan era «Bosstown Sound: The Sound Heard Round The World» (El sonido que se oye en todo el mundo).

Pero inmediatamente después del éxito de la campaña, los críticos musicales empezaron a tachar a The Bosstown Sound de falta de originalidad, así como de falta de unidad espiritual que tenía la escena de la costa oeste, y se les acusó de connivencia con la prensa del establishment.

La campaña decayó y sus anuncios fueron rechazados por los oyentes, y pocas bandas de Boston sobrevivieron tras el colapso de la escena.

Hoy en día las opiniones siguen siendo dispares, y estas bandas han recibido buenas valoraciones, pues el primer disco de Orpheus o Behold and see de Ultimate Spinach son creaciones realmente creativas.

Ultimate Spinach

Difícil tomarse en serio el nombre de una de las bandas más famosas del Bosstown Sound y de la escena de Boston: Ultimate Spinach, un título que evoca un cuadro de Archimboldo. Llamados primero Underground Cinema, se cambian el nombre al firmar con MGM y su productor Alan Lorber.

Cuenta el vocalista Ian Bruce Douglas que yendo de ácido se pintó la cara con un rotulador verde, y al verse en el espejo dijo: ¡Guau soy la espinaca definitiva! La banda también está formada por Bárbara Hudson como vocalista, rememorando a Grace Slick de Jefferson Airplane o a Sonja Kristina de Curved Air, Geoffrey Winthrop a la guitarra, Richard Nese al bajo y, Keith Lahteinen a la batería.

El primer álbum, Ultimate Spinach, es un vinilo que rezuma aires triposos junto con una brillante sinergia instrumental compuesta por mil y una capas de colores, típicas de las directrices de aquella época, que incluyen guitarra, campanas, carrillones, clavicémbalo, órgano, sitar, armónica, flauta, theremin, kazoo, teclado celeste, con largas canciones muy elaboradas, alternando pasajes instrumentales que nos hacen viajar hacia ocultas dimensiones del subconsciente.

Un viaje hacia lo más profundo de la mente, un resultado asombroso y exquisitamente complejo, lo encontramos en canciones como Ballad of The Hip Death Goddess, Baroque o la lisérgica Ego Trip, pieza fundamental del rock psicodélico, del mismo modo que Slip Inside This House abre Easter Everywhere de los 13th Floor Elevators, o Pride of Man abre Quick Silver Messenger Service, una melodía que nos atrae hacia caleidoscópicas y sublimes atmósferas.

La banda representativa de Bosstown Sound también se adentra en la esfera instrumental con Sacrifice of The Moon (in four parts), Funny Freak Parade en el pop, o Dove in Hawk’s Clothing en la canción protesta.

En el momento de su publicación, los críticos de la costa oeste tacharon este disco de copia barata, sobre todo por la similitud con Electric Music for the Mind and Body de los Country Joe and The Fish, lo que facilitó la mala prensa que iba acumulando esta escena. Sin embargo, el cantante Ian Bruce Douglas se atribuyó sus influencias a Erik Satie y al poeta Kenneth Patchen.

También editado en el año 1968, el segundo LP, Behold and See, es también producto del arreglista Alan Lorber, similar al primero con composiciones extravagantes pero más complejas, como Genesis of Beauty, empapada de misticismo, o con influencias folkies en Gilded Lamp of The Cosmos.

Esferas más surrealistas y psicodélicas las encontramos en la impresionante Mind Flowers, o en la también increíble Fragmentary March of Green, dotada de sugerentes armonías vocales que recuerdan a Keep Your Mind Open de Kaleidoscoppe, el tema Jazz Thing nos recuerda la famosa Riders on The Storm de los Doors.

En general, el vinilo toma prestadas las influencias de las bandas de la costa oeste como The West Coast Experimental Band, Strawberry Alarm Oclok, Listening, o Iron butterfly.

Pero su rock es sincero, y aunque excesivamente psicodélico y meloso, es una mezcla de sunshine pop y jazz melódico ideal para iniciarse en oníricas manipulaciones sónicas y viajes estroboscópicos.

En su último disco, titulado Ultimate Spinach III, editado en 1986, la mayoría de los miembros ha abandonado la banda, la más significativa es la de su líder, el multiinstrumentista y principal compositor Ian Bruce Douglas. Solo queda la cantante Bárbara Hudson, el resto de la formación estará formada por músicos de estudio miembros del sello MGM y de Jeff Baxter, el guitarrista que más tarde tocaría con Steely Dan y los Dobbie Brothers.

El LP se aleja del sonido psicodélico de la banda, solo Strange-Life Tragicomedy se puede parecer a los primeros trabajos, pero en general resulta un rock post-psicodélico suave.

En 1967, poco antes de editar su LP de debut, se graba el directo Live at The Unicorn en un local musical de Boston. El disco muestra la banda en sus inicios, donde insiste en las inclinaciones más folk-rock con versiones muy poco acertadas como Get Togheter popularizada por The Youngbloods. Se incluye también el clásico Hey Joe, o canciones como Mind Flowers o Funny Freak Parade, que más tarde se incluirían en los siguientes álbumes.

Orpheus

Orpheus se funda por el vocalista Bruce Arnold en 1967. La banda es una especie de antecedente del soft rock en la línea de The Association o Left Banke. Algunos de sus miembros tienen raíces en la escena folk, Jack McKenes y Eric Gulliksen de Orpheus habían tocado juntos en un grupo pop-folk: los Minutemen, y McKenes y Bruce Arnold habían formado el dúo pop-folk The Villagers antes de que los tres y el batería Harry Sandler se unieran para formar la banda.

En un principio se les agrupó con las bandas más pesadas y psicodélicas que formaron el grupo de Boston, pero en realidad estaban más cerca del sunshine pop de finales de los 60, con melodías elaboradas con arreglos orquestados, obra de Alan lorber. Orpheus tocaron con grandes nombres como Cream, Janis Joplin o Led Zeppelin, y viajaron de Washington a Nueva york con The Who en su magic bus.

Las armonías y la composición del grupo son similares a las de bandas como Fifth Dimension y The Association, y en algunos momentos se intuyen ecos del trío vocal The Lettermen, así como rastros de música folk y psicodelia en algunos temas.

Entre 1960 y 1971 graban cuatro álbumes, todos producidos y arreglados por Alan Lorber y editados por MGM. Ascending es el mejor álbum del año en el Jazz and Pop Poll de Playboy de 1969, con cortes tirando hacia el folk-rock y sin casi atisbos de psicodelia. Se incluye una versión un poco deslucida de She’s Not There de los Zombies, incluye una version de Walk Away Renee de The Left Banke, y alguna canción más bien pegajosa como I’ll fly.

El segundo álbum Orpheus es una mezcla de sunshine/psych pop con bellas canciones melódicas y arreglos orquestales que acompañan perfectamente las voces del grupo.

Can’t Find The Time, el mayor éxito de la banda, es una melodía elegante que recibió un impulso adicional cuando Hootie & The Blowfish versionaron su éxito en el año 2000, la melodía Lesley’s Word tiene algunos tintes que recuerdan a los Love.

El tercer LP, Joyful, se graba en el año 1969 y conjuga el talento orquestal y vocal de la banda. El álbum alcanza el núm. 197 de la lista Billboard top pop álbum.

Los temas siguen la misma línea con canciones más comerciales como In Can Make The Sunrise, una balada sensiblera que recuerda el éxito de Petula Clark, Downtown, magníficas armonías se funden en Joyful, que dan paso a Of Enlightenment, más íntima y reflexiva, o una descafeinada versión de About Me de los Turtles.

Ese mismo año actúan en el jardín de esculturas del museo de arte moderno de Nueva york, y en el año 1971 aparece el último álbum llamado también Orpheus, siguiendo la misma línea melódica pop de finales de los 60′ introduciendo arreglos orquestados. Bruce y los suyos se han seguido reuniendo para tocar, y en 2014, tras un paréntesis de unos 40 años, ofrecieron un concierto titulado Orpheus: The Homecoming, que se celebró en el Mechanics Hall.

The Beacon Street Union

La tercera banda formada por cuatro estudiantes de apenas 20 años toman el nombre de una de las principales calles de Boston: The Beacon Street Union.

En 1968 graban el álbum The Eyes of The Beaconstreet Union, un vinilo sobresaliente con tintes experimentales, mezcla de hard folk, rock y blues/jazz con connotaciones psicodélicas, pero básicamente garage-rock de la época.

La primera canción del disco, My Love Is, se funde en un fondo de batería con una energía a lo Who con un lacerante solo de guitarra y teclados resplandecientes, el tema Mystic Morning es triposo y lisérgico, con una percusión constante que incita al viaje, y la poderosa Blue avenue posee unos riffs poderosos que recuerdan a los Doors.

En Four Hundred and Five, los Beacon nos introducen en ritmos extraños, la canción Speed Kills es un himno antidroga con guitarras exaltadas, y en Sporting Life nos regalan una versión de Brownie McGhee, que más tarde versionarían los neoyorquinos The Loving Sponful.

El segundo álbum The Clown Died in Marvin Gardens tiene una portada de tintes simbólicos diseñada por el fotógrafo Joel Brodsky, el mismo autor de la portada del disco Strange Days de los Doors. El LP empieza con The Clown Dead in Marvin Gardens, una pieza uptempo melódico que acaba con un acelerado solo de guitarra.

Angus of Aberdeen es una deliciosa pieza que combina orquestación con guitarras psicodélicas, que nos transporta inevitablemente a los Love. A Not Very August Afternoon o Now y Taste The Tears contienen tintes de psy/ jazz y rythim and blues.

También se Incluye una versión de Blue Suede Shoes bastante deslucida, así como la conocida Baby Please Don’ t Go con un uptempo salvaje, muy garagera. La banda se separa después de solo dos años juntos, y algunos de sus componentes se reagrupan en 1970 para formar la banda Eagle.

El fin del Bosstown Sound

En 1969, MGM Records nombra presidente a Mike Curb (más tarde vicegobernador republicano conservador de California). Curb llama a la música de Boston «shucks» (un montón de basura), afirmando que incitaban a las drogas y poniendo como ejemplo la balada I’ve Never Seen a Love Like This de Orpheus.

En el año 1996 se publica Bosstown Sound, 1968, The Music & The Time, editado por Big Beat Records, un recopilatorio en 2CD que incluye también a otras bandas como The Lost, Bagatelle, Chamaleon Church, Apple Pie Motherood Band, o Eath Opera entre otros.