Desde Lima hasta los grandes estudios de Estados Unidos, Germán Villacorta ha construido una trayectoria marcada por la disciplina, el aprendizaje constante y una profunda comprensión de la identidad sonora. Su experiencia junto a figuras como Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Alice Cooper, Zakk Wylde, George Benson, Al Jarreau y The Rolling Stones, además de su trabajo con destacados artistas latinoamericanos, le ha permitido desarrollar una mirada amplia sobre la producción musical, capaz de moverse entre géneros sin perder de vista lo esencial: la canción y la personalidad de quien la interpreta.
En esta entrevista exclusiva con LaCarne Magazine, Villacorta repasa su recorrido profesional, sus aprendizajes junto a grandes productores e ingenieros, la evolución tecnológica de la industria y los desafíos que enfrentan las nuevas generaciones. También reflexiona sobre la importancia de construir una identidad propia, trabajar en equipo, dejar el ego de lado y entender que la excelencia no depende únicamente del talento o de las herramientas disponibles, sino de la disciplina, la experiencia y el compromiso de hacer siempre lo mejor por la música.
Germán Villacorta: Disciplina e identidad
Germán, antes que nada, felicitaciones por una trayectoria tan amplia y diversa. Mirando en retrospectiva, ¿qué representa para ti el camino recorrido desde Lima hasta convertirte en uno de los productores e ingenieros latinoamericanos con mayor proyección internacional?
Mi recorrido desde Lima hasta convertirme en lo que soy no representa para mí algo extraordinario en sí mismo, sino el resultado del paso a paso que he dado en mi vida, tomando decisiones para alcanzar la meta profesional que me tracé desde chico. Quizás desde afuera otros lo vean como “mira cuánto ha logrado”, pero yo lo vivo de otra manera: día a día.
Desde muy joven comenzaste a escuchar música con una mirada analítica, estudiando créditos y entendiendo cómo se construían los discos. ¿Qué descubrimientos de aquella etapa siguen definiendo tu forma de trabajar hoy?
Cuando era chico, leía los créditos de los discos y así comenzaba a entender los distintos roles dentro de la industria musical. Sin embargo, mi visión era limitada porque no tenía cerca a profesionales que pudieran explicarme las etapas y responsabilidades de cada función.
Tu paso por Berklee College of Music marcó una etapa importante en tu formación. ¿Qué aprendizajes consideras fundamentales de esa experiencia y cuáles fueron las primeras barreras que tuviste que superar al establecerte en Estados Unidos?
Una de las cosas que más marcó mi transición de alumno a profesional durante mi etapa en Berklee fue desarrollar disciplina, tanto para estudiar como para practicar. Una cosa es aprender teoría y otra muy distinta llevarla a la práctica. En Berklee aprendí a estudiar con disciplina, y, aprovechar al máximo mis sesiones privadas y horas de práctica.
Durante mis primeros años en Estados Unidos, una de las principales barreras fue el idioma, especialmente en el ámbito técnico. Una cosa es comunicarse en inglés, y otra muy distinta, dominar el lenguaje específico de una profesión.
Has trabajado junto a productores históricos como Bob Rock, Brendan O’Brien, Don Was y Phil Ramone. ¿Qué lecciones puntuales te dejó compartir procesos con figuras de ese nivel?
Trabajar con tantos productores me ayudó no sólo a aprender diferentes técnicas, sino también a definir mi propia manera de trabajar y desarrollar mi estilo. Al final, la identidad de un productor se convierte en un híbrido de todas esas experiencias: tomas elementos de cada profesional con el que trabajas y los llevas a tu propia perspectiva.
Dentro de una discografía tan extensa y estilos tan diferentes, ¿cómo adaptas tu metodología para respetar la identidad de cada artista sin perder tu sello profesional?
Mi metodología se basa en colaborar con el artista y desarrollar estructuras que potencien sus canciones. Mi objetivo como productor es hacer lo mejor por la canción, no por el ego del músico. La canción siempre está primero.
Mi sello profesional se resume en tres características, independientemente del género: “claridad, peso y contundencia”.
Al mismo tiempo, considero fundamental preservar la identidad del artista. Como Productor o Ingeniero, busco entender qué quiere decir la canción y qué desea expresar cada músico. Mi trabajo es acompañarlos de un punto “A”, a un punto “B”, sin quitarles su esencia.
En definitiva, soy una herramienta al servicio de la canción y del artista, buscando siempre claridad, peso y contundencia en el resultado final.
Has participado en producciones con nombres legendarios del Rock como Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Alice Cooper y Zakk Wylde. ¿Existe alguna sesión o momento de Estudio que recuerdes como especialmente transformador en tu carrera?
Una de ellas fue cuando comencé a trabajar con Ozzy Osbourne. Después de uno o dos años, pude comprender la magnitud de los músicos de los que siempre se había rodeado para crear su música. Eso me enseñó la importancia de rodearte del equipo y los músicos correctos en cada etapa de tu carrera.
Trabajar con Tony Iommi también fue muy particular. Tuve que separar inmediatamente al fan de Black Sabbath del profesional que estaba trabajando con él. Por dentro quería decirle que era fan suyo y hacerle mil preguntas, pero aprendí a mantener esa admiración al margen y concentrarme en mi trabajo. Eso me ayudó a desarrollar mi personalidad dentro del Estudio.
Otra sesión especial fue la del disco de George Benson con Al Jarreau, donde trabajamos con músicos como Vinnie Colaiuta, Patrice Rushen, Herbie Hancock y Marcus Miller, además de contar con Paul McCartney como invitado. La magnitud del proyecto era impresionante.
Lo mismo ocurrió al trabajar con The Rolling Stones. Un periodista me preguntó si me había sentido intimidado. Mi respuesta fue clara: “No, en absoluto. Si estaba en el mismo cuarto con ellos, era porque ese era mi lugar. Nadie me había regalado ese lugar; estábamos trabajando todos al mismo nivel”.
En alguna ocasión mencionaste que Zakk Wylde es el mejor guitarrista de Rock que has grabado. ¿Qué características técnicas o humanas lo hacen destacar dentro del Estudio?
Siempre buscó desarrollar una identidad propia. Tenía influencias muy marcadas, como Jimi Hendrix, Jimmy Page y, especialmente, John Sykes, cuya influencia en sus armónicos es evidente. Zakk entendió que el neoclásico ya tenía a Yngwie Malmsteen y que Van Halen había llevado otras técnicas a otro nivel, así que encontró su propio camino a través del sonido y las pentatónicas.
También has trabajado con artistas alejados del Hard Rock, desde Eva Ayllón hasta Juan Gabriel o Al Jarreau. ¿Qué desafíos y aprendizajes aparecen cuando se cambia radicalmente de lenguaje musical?
No creo que trabajar en diferentes géneros musicales sea un desafío; al contrario, es algo muy interesante y enriquecedor. Cada estilo te permite llevar experiencias, ideas y conceptos a otros géneros, incluso incorporar elementos que normalmente no se utilizarían. Por ejemplo, trabajar con artistas de Música Tradicional te permite aportar recursos modernos y ayudar a evolucionar su sonido.
Esa experiencia te da seguridad para enfrentar cualquier proyecto. Llegas al Estudio con la capacidad de comprender lo que el artista necesita y de capturar correctamente su esencia. Por eso, trabajar con artistas de distintos géneros es, sobre todo, una experiencia profundamente enriquecedora.
Dynamic Wave Studio se ha convertido en una plataforma importante para artistas independientes y consolidados. ¿Cuál fue la visión original detrás del Estudio y cómo ha evolucionado con los cambios tecnológicos de la industria?
En cuanto a Dynamic Wave Studio, siempre quise tener un espacio de producción donde pudiera trabajar directamente con los artistas y contar con las herramientas necesarias para desarrollar su música.
Mi concepto nace de mi experiencia en A&M Studios, posteriormente Henson Studios y actualmente Chaplin Record Studios, todos con una gran tradición. Al diseñar mi Estudio y elegir los plugins, buscaba tener representaciones digitales de las herramientas analógicas con las que había trabajado y que ya dominaba.
Como Senior Staff Engineer en Henson, podía llevar mi propio computador y sistema al Estudio, comparar los plugins con el hardware analógico y crear mis propios presets. Por eso quería conservar las herramientas con las que había crecido profesionalmente.
Con el tiempo aparecieron nuevas tecnologías, pero aprendí algo fundamental: no necesitas tener todas las herramientas, sino dominar las que tienes. Si una nueva herramienta ofrece algo que ya puedo conseguir con lo que tengo, no la necesito. Pero si realmente aporta algo que no puedo reproducir, experimento la versión de prueba y, si me convence, la adquiero. Esa ha sido siempre mi filosofía.
La Canción Siempre Está Primero
Hoy existen herramientas digitales que permiten producir música desde cualquier lugar. Desde tu experiencia, ¿qué elementos siguen siendo irremplazables dentro del trabajo de producción profesional?
Hoy tenemos muchísimas herramientas a nuestro alcance, pero hay cosas que siguen siendo irremplazables. Una de ellas es una buena sala de ensayo donde puedas trabajar directamente con el artista y desarrollar las canciones. Incluso a distancia, necesitas una buena conexión, un sistema de monitoreo adecuado y, sobre todo, poder ver y escuchar exactamente lo que está haciendo el artista. La comunicación directa con la banda sigue siendo fundamental.
A lo largo de tu carrera has conseguido múltiples nominaciones al Grammy trabajando con proyectos latinoamericanos. ¿Cómo percibes actualmente el lugar que ocupa Latinoamérica dentro del mapa global de producción musical?
Creo que hay que hacer una distinción. No diría necesariamente que Latinoamérica se ha ganado un puesto global, sino que muchos artistas latinoamericanos tienen una posición sólida dentro de sus propios géneros. Si eres un artista de Salsa, Reguetón o Música Tradicional mexicana, tienes un espacio propio porque perteneces a géneros con una identidad definida.
Muchos artistas que llegan a grandes escenarios o a los Grammys cuentan con el respaldo de grandes disqueras, que pueden invertir en compositores, productores e ingenieros con mucha experiencia. Esa posibilidad no está al alcance de la mayoría de los artistas independientes de Latinoamérica, y ahí existe un desnivel importante.
Siempre has defendido la idea de que el Productor debe ayudar a potenciar una canción y no imponer una identidad externa. ¿Cómo logras encontrar el equilibrio entre dirección artística y libertad creativa?
Como productor musical, creo que hay dos cosas fundamentales. La primera es la canción: siempre debe ser la prioridad, porque es el trabajo que te han confiado y debes hacer lo mejor posible por ella. La segunda es el artista, pero debes hacerle sentir que él es tu prioridad. El equilibrio está en trabajar desde la colaboración, escuchar sus ideas, identificar sus falencias y buscar cómo potenciarlas, incluso incorporando músicos de sesión cuando sea necesario.
En cuanto a la libertad creativa, es fundamental que el artista pueda sacar lo mejor de sí mismo, pero también debe entender que, si quiere desarrollar una carrera profesional, existe un público al que quiere llegar. No se trata solamente de hacer música para uno mismo. Hay que considerar las tendencias y la manera en que la música puede conectar con una audiencia. No podemos trabajar en 2026 como si estuviéramos en 1955.
En varias entrevistas has hablado sobre la importancia de la honestidad sonora. ¿Qué significa exactamente para ti que un artista “suene verídico”?
Cuando trabajo con un artista, busco que tenga un sonido propio, que no sea clon de nadie. Puede compartir escenario con AC/DC o ZZ Top, pero debe tener una identidad que permita reconocerlo en pocos segundos.
Una vez, mi segundo ingeniero volvió de Amoeba Music y me dijo que había escuchado una canción y pensaba: “eso suena a algo que ha producido Germán”. Al comprobarlo, efectivamente era un artista con el que había trabajado. Ese es el tipo de identidad sonora que busco.
Una producción puede tener rasgos del Productor, pero nunca deben estar por encima del artista. Hay que encontrar su sonido, desarrollarlo y evitar que todos terminen sonando igual.
En un cantautor, esa identidad puede estar más ligada a la composición. No todos escriben como John Lennon o Paul McCartney, ni mucho menos como Lennon-McCartney. Cada artista tiene una forma única de crear y expresarse, y nuestro trabajo es identificarla y potenciarla.
¿Qué significa la música para Germán Villacorta?
Creo que la música es el reflejo del alma del artista y del compositor, pero también existe para conectar con otros seres humanos. No existe un artista sin un público. Es como preguntarse si una piedra que cae donde no hay nadie genera sonido: claro que lo genera, pero no habrá nadie para escucharlo o apreciarlo.
Para mí, la música es algo profundamente personal, pero creado para conectar con la sociedad. Es una conversación, una interacción en la que, a través de tus experiencias, letras y música, intentas llegar al alma de otras personas. Y no necesariamente tienes que contar tu propia historia; muchas veces cuentas la historia de ellos, logrando que se sientan identificados y encuentren algo de sí mismos en tu música.
También has dedicado tiempo a talleres y conferencias sobre producción e Ingeniería de Sonido. ¿Qué preguntas o inquietudes detectas con más frecuencia en las nuevas generaciones?
La formación de las nuevas generaciones en la industria musical es muy diferente a la de antes. Antiguamente se comenzaba desde abajo, aprendiendo progresivamente junto a profesionales experimentados sobre grabación, mezcla, trabajo con artistas, funcionamiento de los estudios y equipos. Con la transformación de la industria y el cierre de muchos grandes estudios y disqueras -desde aproximadamente 2009-, ese proceso de aprendizaje se redujo considerablemente.
Hoy muchos buscan saltarse etapas y alcanzar directamente grandes producciones o millones de reproducciones, recurriendo a Internet y tutoriales. Sin embargo, estos recursos, incluso cuando provienen de profesionales, son limitados y pueden ofrecer información contradictoria. La verdadera formación no se obtiene únicamente viendo tutoriales, sino trabajando, adquiriendo experiencia y aprendiendo directamente de otros profesionales.
En estos años, ¿cómo ha cambiado el perfil del productor musical ideal frente al de hace dos o tres décadas?
Antes, los créditos de los discos permitían entender que una producción era el resultado del trabajo de distintos especialistas: productor, ingeniero de grabación, mezcla y masterización, cada uno con una función específica. Hoy muchos productores intentan asumir todas esas tareas, pero es difícil alcanzar un nivel de excelencia en cada área sin haber aprendido junto a profesionales experimentados.
Por eso, el productor moderno debe reconocer sus fortalezas y limitaciones, buscar colaboradores que complementen su trabajo y aprovechar esas alianzas para seguir aprendiendo. Si alguien destaca en producción y grabación, pero no en mezcla, puede trabajar con un ingeniero especializado que lleve el proyecto a otro nivel. La clave es dejar el ego de lado, colaborar y entender que nadie tiene que ser una isla.
Mirando específicamente la escena latinoamericana, ¿qué países o movimientos musicales consideras que están viviendo un momento especialmente interesante?
El Pop ha ganado mucho espacio internacional, aunque todavía mantiene una fuerte influencia del Pop anglosajón. En cambio, el Reguetón y la Música Urbana han desarrollado una identidad más propia y ha alcanzado una gran expansión global, especialmente gracias a su crossover con el Pop, logrando conectar incluso con públicos que no necesariamente comprenden sus letras.
El Rock, tanto estadounidense como europeo y latinoamericano, ha perdido presencia internacional, aunque existen excepciones como The Warning (México), que ha conseguido posicionarse con éxito. En definitiva, las posibilidades dependen de cada género, pero para el Rock latinoamericano resulta importante acercarse a las tendencias y públicos internacionales, buscando un verdadero crossover sin perder su identidad.
Después de haber trabajado con artistas consagrados y proyectos independientes, ¿qué características hacen que decidas involucrarte verdaderamente en una producción?
Cuando trabajo con un artista, la decisión es mutua: él evalúa si existe química conmigo y yo evalúo si sus canciones tienen potencial y qué necesitan para convertirse en una producción sólida. Escucho los demos para determinar si hay buenas composiciones, si hacen falta músicos de sesión o apoyo adicional, porque sin buenas canciones no hay nada que producir.
También considero fundamental el compromiso del artista con su proyecto. Busco músicos dispuestos a invertir tiempo, esfuerzo y recursos, y a trabajar con una actitud de cien por ciento desde el principio. Una carrera no debe depender de alcanzar primero determinados números de streams o likes; el éxito se construye con intención, disciplina y trabajo. Cuando encuentro ese nivel de compromiso y ganas de hacer las cosas bien, entonces sé que vale la pena avanzar.
Para cerrar: si pudieras dejar un único consejo para músicos, productores e ingenieros que sueñan con construir una carrera internacional, ¿cuál sería?
Si eres músico, trabaja constantemente en tu instrumento, creatividad, composición y ejecución. Ten la disciplina de practicar siempre y buscar crecer. Si quieres ser productor o ingeniero, comprométete a aprender, practicar, experimentar y dar lo mejor de ti para potenciar el trabajo de tu artista.
La disciplina es fundamental. Si eres una persona disciplinada, gran parte de las barreras y dificultades que encuentres en el camino podrás superarlas. Al final, el talento puede abrir una puerta, pero la disciplina es la que te permite seguir avanzando.
————————-
La conversación con Germán Villacorta deja una idea clara: detrás de una gran producción no existen fórmulas mágicas, sino años de aprendizaje, disciplina, escucha y trabajo junto a otros profesionales. Su recorrido demuestra que la tecnología puede ampliar las posibilidades creativas, pero nunca sustituir la experiencia, la sensibilidad y la capacidad de comprender qué necesita una canción para encontrar su verdadera identidad.
En un momento en el que cualquier persona puede producir música desde su propia habitación, el mensaje de Villacorta adquiere especial relevancia: conocer las propias fortalezas, reconocer las limitaciones, colaborar y mantener el ego al margen son claves para crecer. Su trayectoria invita a las nuevas generaciones a mirar más allá de los números y las herramientas, entendiendo que la excelencia se construye con compromiso, perseverancia y una búsqueda permanente por hacer que cada artista suene como realmente debe sonar.
Más información sobre Germán Villacorta:
