La escena del Heavy Metal en España sigue demostrando una vitalidad arrolladora, con bandas emergentes que apuestan por mantener viva la esencia clásica del género mientras exploran nuevas formas de expresión. Entre ellas, Rave In Fire se ha consolidado como una propuesta sólida y en constante evolución. Con su más reciente trabajo, Square One, el grupo ha logrado captar la atención tanto del público nacional como internacional, recibiendo una acogida muy positiva que confirma su crecimiento dentro de la escena.
En esta entrevista exclusiva para LaCarne Magazine, la banda nos abre las puertas a su proceso creativo, reflexiona sobre los retos personales que han marcado este nuevo disco y profundiza en los cambios musicales que han definido su sonido actual. Desde la intensidad de sus composiciones hasta el trasfondo emocional de sus letras, Rave In Fire demuestra que el Heavy Metal sigue siendo, ante todo, una forma honesta y poderosa de canalizar experiencias y conectar con la audiencia.
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Rave In Fire, Heavy Metal furioso desde Madrid
Square One ya está en la calle desde el 30 de enero, y, ha recibido muy buenas críticas dentro y fuera de España. ¿Cómo estáis viviendo la reacción del público y de los medios ante este nuevo trabajo?
Estamos muy contentos con la acogida. Hemos llegado a mucho público nuevo, especialmente fuera de nuestras fronteras, y no podemos estar más agradecidos. Ahora las cosas se han calmado un poco, pero el mes posterior al lanzamiento estábamos en una nube con el feedback de la escena.
El título del álbum, Square One, sugiere volver al punto de partida. ¿Qué significado tiene para Rave In Fire y qué representa dentro de vuestra evolución musical?
En contra de lo que pueda parecer, ese tema que da título al disco no se refiere a la banda, si no a Jimi, nuestro baterista. Square One se basa en una vivencia personal suya. Tuvo una época en la que sentía miedo escénico y llegó a pasarlo muy mal encima del escenario. Tuvo que hacer un trabajo introspectivo, re enamorarse del instrumento y enfocar la música de una forma menos obsesiva.
Fue una experiencia dura para él, con muchos quebraderos de cabeza, pero que le ayudó a crecer como músico y como persona. En cierta manera, tuvo que volver a la casilla de salida (eso significa Square One) para poder continuar con buen pie. Escribir esa canción le ha ayudado a continuar por esa nueva senda. Es un buen ejemplo del efecto terapéutico de la música.
Este disco mantiene vuestro Heavy Metal de corte tradicional, pero parece tener un enfoque más intenso y directo. ¿Qué diferencias principales encontráis respecto a vuestro trabajo anterior?
La principal diferencia es que Sons of a Lie (2022) fue un disco concebido para dos guitarras. Poco antes de sacarlo se marchó un guitarrista y decidimos reformularnos como cuarteto. Creemos que fue una decisión acertada. Square One, claramente, es un disco que da bastante más espacio al bajo y la batería.
Por otro lado, Sons of a Lie es un disco bastante homogéneo, donde todo se mueve estrictamente en el Hard n’ Heavy. Es natural que la banda haya querido expandir horizontes explorando otros caminos. La variedad de Square One salió de forma muy fluida, sin forzar nada la maquinaria. Salvo quizás Untiring Eagles, que sí requirió varias reformulaciones, las canciones han salido a la primera para todos. Las hay, que son prácticamente improvisaciones para algunos instrumentos.
La producción del álbum ha corrido a cargo de Jonjo Negrete. ¿Cómo fue trabajar internamente en la producción del disco y qué ventajas os dio ese control creativo?
La principal ventaja, hablando mal y pronto, es que nadie te toca los cojones (ja ja ja). Puedes trabajar a tu ritmo, a tu manera, sin límites de tiempo, sin gastar casi dinero o sin adaptarte a la disponibilidad de gente ajena a la banda. A cambio, lógicamente, se multiplica muchísimo el trabajo.
Como productor, guitarrista y principal compositor, Jonjo es el líder perfecto. Tal cual. Él podría hacerlo prácticamente todo delante del ordenador. Sin embargo, da espacio a todos los miembros de la banda para que aporten su parte a la canción y brillar. Y eso, aunque lleve más tiempo de creación, multiplica la calidad de la composición. Creemos que esa es una de las claves fundamentales de esta banda: todas las canciones son de todos.
Las baterías se grabaron en California Studios. ¿Cómo fue ese proceso de grabación y qué buscabais conseguir en el sonido de la batería para este disco?
Fue, de nuevo, una experiencia increíble. Víctor, el dueño e ingeniero de California Studios, es un profesional como la copa de un pino y un auténtico ser de luz. Claro, así tiene la agenda llena siempre. Es verdaderamente excepcional.
El proceso de grabación fue muy bueno, porque Jimi iba muy bien preparado. El Estudio siempre es un reto cabroncete y por eso estuvo meses encerrado practicando para que no hubiese sorpresas. Cuando llega el día del examen y ves que lo tienes dominado, es un subidón.
Para las baterías de este disco, queríamos aunar, en la medida de lo posible, lo clásico y lo moderno. Es muy difícil, pero se puede hallar un equilibrio. Todo suena muy en primer plano, comprimido y debidamente tratado, pero se nota que es una batería de verdad, que no es un ordenador programado. Los sonidos tienen cola, hay dinámicas, hay un “factor sala” en la mezcla (es decir, la resonancia de la cabina de grabación) e incluso pequeños fallitos o variaciones de tempo que hacen que lo bueno pase a ser perfecto, porque tiene el componente humano.
En fin, podríamos hablar largo y tendido sobre esto. La batería es, con diferencia, el instrumento más difícil de grabar y mezclar. Creemos que Jonjo, Víctor y Jimi hicieron un trabajazo. Estamos deseando abordar el próximo reto.
A nivel compositivo, ¿cómo suele nacer una canción de Rave In Fire? ¿Partís de riffs, melodías vocales, o ideas más conceptuales?
Muy buena pregunta. Eres músico, ¿verdad? (jajaja). Lo más habitual es partir de riffs de guitarra e ir añadiendo cosas. Así nacen en torno al 80% de nuestras canciones. El resto tiene caminos variados. Por ejemplo, Speed and Rave partió de una idea del baterista. El germen fue la intro y el posterior ritmo ‘skank’, tan típico en el Speed, el Thrash y el Punk. En Square One o en The Healer (del anterior disco), las ideas partieron de la letra. Fueron lo que inspiró el resto de la canción. Entonces, lo más normal es la fórmula clásica, pero las posibilidades son infinitas.
El disco abre con Prologue of a Delirium, una introducción que prepara el terreno. ¿Cuál fue la idea detrás de comenzar el álbum de esta manera?
A lo largo del disco Jonjo ha querido plasmar su ADN musical, el que forma con aquellos sonidos que más profundizaron en cada uno. Esta intro plasma texturas de las inquietudes de ese ADN musical que van más allá del “Metal en tu cara”.
Rave In Fire, intenso y honesto Heavy Metal español
Temas como Dark Poison o Crown of Stars tienen una energía muy potente. ¿Qué canciones del álbum sentís que representan mejor la identidad actual de la banda?
Nos gustaría que la identidad de la banda fuera precisamente que sabemos movernos en distintos registros, pero es cierto que siempre hay fórmulas que se repiten más. Los medios tiempos de Hard n’ Heavy, por ejemplo, siguen siendo gran parte de nuestra identidad. En ese aspecto, Crown of Stars y Still Standing representan bien la esencia de la banda.
Dark Poison también es buen ejemplo porque ahí se aúna todo: intro hardrockera, cambio a un tempo rápido, solo melódico, estribillo coreable, partes técnicas. Esa canción se concibió como carta de presentación de muchos de nuestros registros.
Untiring Eagles y Speed and Rave destacan por su intensidad y velocidad. ¿Qué influencia tiene el Speed Metal o el US Power Metal en vuestro sonido?
En nuestro sonido, algo, pero no mucho. En nuestro bagaje cultural, muchísimo. Bandas como Riot o Agent Steel formarán para siempre parte de nuestras listas de reproducción.
Knightwalker y Witches’ Hell tienen títulos muy evocadores y suenan increíbles. ¿Qué tipo de historias o atmósferas buscáis transmitir en las letras del disco?
Normalmente, Sele traslada experiencias o temas personales a las letras, aunque también plasmamos alguna que otra idea reivindicativa. De igual manera, nos gusta expresarlo a través de metáforas o situándola en escenarios fantásticos.
Knightwalker habla de un señor que va haciendo su propio camino mientras un demonio trata de tentarlo. Una ejemplificación muy visual de lo importante que es para Sele la integridad y ser fiel a uno mismo. Cuando habla de brujas en Witches’ Hell se refiere a las mujeres desde el punto de vista que tienen algunos hombres. En Dark Poison su voz da vida y personifica a la contaminación, otorgándole el papel de un villano. Sin embargo, no todas las letras son así, Still Standing es más directa, aunque intentamos que las frases y la estructura tengan un mínimo sentido poético.
La canción que da título al álbum, Square One, cierra el tracklist. ¿Por qué decidisteis que fuese el final del disco?
Fue la última que compusimos, la más larga y acaba en tonalidad mayor (lo que se puede interpretar como un final feliz). Fue compuesta con la intención expresa de cerrar el círculo. El disco no sería lo mismo si acabara en Witches’ Hell, ¿no crees?
Hablemos de la portada del álbum. ¿Quién estuvo detrás del arte y qué simbolismo hay en la imagen que acompaña a Square One?
La portada corre a cargo de Tau Fernández, igual que la del Sons of a Lie. Es como si Lizardo (el cocodrilo, nuestra mascota) hubiera salido del bar en el que estaba en el anterior disco y se ha echado a andar por la calle del mundo cyberpunk donde vive.
Hay muchos detalles: las cabezas de cocodrilos que se ven en las fachadas son una referencia a Speed and Rave (contra todo pronóstico, esa canción habla de religión e idolatría); el cielo estrellado, a Crown of Stars; los rótulos tienen un mensaje oculto para los muy, muy frikis de la banda (casi nadie lo ha sacado). En fin, cositas (jajaja).
En cuanto a la edición del disco y gracias a su Sello High Roller Records, ¿qué formato físico podrán encontrar los fans? ¿Vinilo, CD, ediciones especiales?
Ya está a la venta en CD y tres tipos de vinilos: negro, rosa y splater multicolor. Muy horteras y, por tanto, geniales (jajaja). Echad un ojo a nuestro Bandcamp, que seguro que veis cosas que os molen.
¿Qué significa la música para Rave in Fire?
Es el medio para engañar a la gente para que nos compre discos y así hacernos millonarios (jejeje).
Rave in Fire está formada por Sele, Jonjo, Sara y Jimi. ¿Una breve historia de la banda?
Rave in Fire nació a finales de 2015 al juntarnos Jonjo, Jimi y otro guitarrista que se fue en 2017. Desde la formación se han sucedido una serie de cambios en la alineación, hasta formar la actual a mediados de 2020, con la entrada de Sele a la voz y Sara al bajo.
¿Por qué del nombre de Rave In Fire?
El nombre se nos ocurrió al saber que “rave” significa delirio en inglés. ¿Qué hay más Heavy que alguien delirando en el fuego?
Dentro de la vasta escena metalera de España, ¿qué agrupaciones nos sugieren en la actualidad?
Nos sentimos afortunados de pertenecer a una hornada de bandas jóvenes muy prometedora. En la NWOTHM tenemos bandazas como Redshark, Crimson Storm, Phantom Spell, Hitten, Loanshark, Iron Curtain, Savaged, Raptore, Chantrice, Wildhard, Aeroscreamer. Y la lista sigue. Creemos que tienen un nivelón y nos encantan. Además, todos son gente de puta madre.
El próximo 27 de marzo tocaréis en Madrid junto a Redshark presentando Square One. ¿Qué puede esperar el público de ese concierto?
Pues sencillamente, una de las mejores bandas de España sobre el escenario. Y luego los Redshark esos, que bueno, sin más. Ja ja ja es coña, ¡obvio! Redshark tienen un nivelón y han sacado un discazo: Sudden Impact. Si no lo has escuchado estás tardando. Nosotros ya hemos podido disfrutar varias veces de su directo y son una auténtica apisonadora. Por nuestra parte, llevamos más de un año sin tocar en casa y tenemos nuevo disco bajo el brazo. No vamos a defraudar, te lo aseguro.
Para el 2026, ¿alguna primicia o proyecto venidero de Rave In Fire que quieran compartir?
Estamos trabajando en algunos singles que puede que salgan este año o el siguiente. Todavía no estamos seguros de cuándo. Asimismo, estamos trabajando para cerrar algunas fechas y esperamos poder anunciarlas dentro de poco. Vamos, que no estamos quietos, precisamente. Tenemos hambre de más.
Sus palabras de despedida para los seguidores de Rave In Fire y para los lectores de LaCarne Magazine.
Muchísimas gracias a todos por estar ahí. Si nos conoces, gracias por escucharnos. Si no, danos una oportunidad.
Cerrando la presente edición, les comunicamos que el 18 de abril, Rave In Fire se preparan con su contundencia melódica para el Iberian Confrontation Tour 2026, que se perfila como una cita imprescindible para los amantes del Metal más auténtico y combativo. Con la llegada de los chilenos Asedio, en plena proyección internacional rumbo al festival Keep It True, el evento suma un atractivo especial que trasciende fronteras. Junto a ellos, el empuje del Heavy en castellano de Alacrán, todos unidos, prometen una noche cargada de energía, actitud y reivindicación del género en su estado más puro.
El escenario de Sala Spectrum será el punto de encuentro para una comunidad que vive el Metal como algo más que música: una experiencia compartida. En un ambiente cercano y apasionado, esta confrontación no sólo reunirá a algunas de las propuestas más destacadas del circuito Underground, sino que también reforzará ese espíritu de hermandad que define a la escena. Una velada que apunta a ser memorable y que ningún seguidor del Heavy debería dejar escapar. ¡El mejor de los éxitos con Square One, que sigan cosechando escenarios y públicos hasta alcanzar la meta de la Gloria del Metal!
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