Rave indígena: el encuentro entre la electrónica y la música de las minorías étnicas

Hace unos meses, durante la Conferencia Mundial del Clima, vimos cómo diferentes comunidades indígenas de Brasil —aprovechando la presencia de líderes mundiales— se reivindicaban con algarabías y tumultos ante un mundo que les da la espalda mientras sus políticas destruyen el planeta, sus territorios y su modo de vida.

Siempre que se celebra un evento de este tipo, los medios de comunicación internacionales otorgan algo de voz a estas minorías, perseguidas año tras año por un sistema capitalista devorador, no solo en lo político, económico y social, sino también en lo medioambiental. Es una voz que cae en el olvido hasta la siguiente cumbre; el resto del tiempo les queda el ostracismo y la falta de compromiso de la comunidad internacional.

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RAVE INDÍGENA “La música de las minorías étnicas”

Cada cumbre del clima trae compromisos incumplidos, medidas escasas y un planeta que se muere. Sin embargo, este no es un artículo de política medioambiental, sino de música. Aun así, es crucial conocer el contexto para comprender las creaciones de diferentes etnias para dar voz a los suyos, y cómo la globalización nos permite conocerlas e incluso reivindicarlas desde cualquier rincón del mundo.

Rave Indígena es el proyecto de los DJs Supersexy Sound System para llevar la tradición étnica y la música contemporánea a la pista de baile, con el fin de reivindicar —desde la cultura rave— el respeto, el amor, la paz y la comunidad.

¿Por qué Rave Indígena? Porque existen puntos de encuentro entre ambas culturas. Comparten valores esenciales como la unidad y el espíritu comunitario, muy arraigados en ambos colectivos, al igual que el respeto por la persona y la tierra. Además, destaca el pacifismo inherente tanto a los grupos indígenas como a los raveros.

Los pueblos indígenas están profundamente conectados con sus ancestros a través de la música, algo que también se fomenta en las raves, ya sea mediante la electrónica y sus reinterpretaciones de sonidos tradicionales, o a través de talleres de relajación, sanación y reciclaje. De una manera u otra, mantener un ambiente comunitario, inclusivo y sin prejuicios, donde las personas puedan expresarse libremente en un espacio seguro, es una reivindicación compartida tanto por el territorio indígena como por el encuentro ravero.

A continuación, compartimos una selección de grupos, artistas y colectivos internacionales que respaldan a los pueblos indígenas y las culturas ancestrales de los cinco continentes, desarrollada por Supersexy Sound System:

1. THE HALLUCI NATION

The Hall uci Nation es un colectivo de DJ y productores (actualmente formado por Tim Hill, Ion «DJ NDN» Campea y Bear Fitness) conocidos por crear un género de fusión único que ellos mismos popularizaron, llamado a veces «Pow Wow Step”. Su música combina de forma poderosa la música electrónica de baile (EDM), el hip hop instrumental y el debate con elementos de la música de las Primeras Naciones de Canadá (Fisto Natíos).

Utilizan samples y grabaciones de cantos vocales, tambores y ritmos de Pow Wow (reuniones y celebraciones culturales nativas), mezclándolos con beats modernos y poderosos. Son los responsables de la B.S.O del film Inuit de ciencia ficción Slash Back. Su música no solo es fiesta, sino es activismo y visibilidad cultural. Buscan presentar la cultura indígena contemporánea de una manera positiva y urbana, desafiando los estereotipos y luchando contra la apropiación cultural y defendiendo a los indios nativos americanos.

2. HEILUNG

Es una banda de música folk experimental, ritual y ambiental con una estética y un sonido únicos procedente de Alemania, Noruega y Dinamarca. Su trabajo es una «historia amplificada de la Europa del norte en los inicios del Medievo». Su música se basa en textos y artefactos de la Edad de Hierro y la Era Vikinga. El género suele etiquetarse como Neo-folk, Pagan Folk o Folk Ritual/Experimental.

Recrean la atmósfera espiritual y mística de épocas ancestrales. Utilizan letras basadas en inscripciones rúnicas y textos antiguos, y su instrumentación es muy particular, utilizando huesos humanos (réplicas), tambores antiguos, espadas y escudos reconstruidos, anillos de bronce, y cuencos cantores; además de cantos guturales (como el del cofundador Kai Uwe Faust), cantos femeninos etéreos (Maria Franz) y recitaciones dramáticas. Su música ha sido utilizada en la serie de televisión Vikings.

3. TANYA TAGAQ

Artista, compositora e intérprete canadiense de origen inuit (de Cambridge Bay, Nunavut). Es mundialmente conocida por ser una innovadora y maestra del canto de garganta inuit tradicional (katajjaq). Su música es altamente experimental y vanguardista, fusionando el canto de garganta con elementos de rock, punk, música ambiental, electrónica y clásica.

Ganó una amplia notoriedad internacional a principios de la década de 2000 por sus colaboraciones con la artista islandesa Björk, incluyendo el álbum Medúlla (2004)

Es una figura cultural poderosa y una activista vocal. Utiliza su arte para abogar por la reforma ambiental y la protección de las comunidades inuit (pueblos indígenas que habitan las regiones árticas de Canadá, Groenlandia y Alaska (en este último, junto con otros grupos como los Yup’ik y Alutiiq, a veces se les engloba como Esquimales, aunque este término es a menudo considerado despectivo), desafiando problemas postcoloniales y presentando la fuerza y resistencia de su cultura.

4. LUMUMBA

Es una banda de reggae roots argentina, conocida por su música con fuertes mensajes sociales y espirituales, enmarcados en la cultura rastafari. Se formó tras la separación de la influyente banda de rock y reggae Todos Tus Muertos (TTM). Su música se caracteriza por ser un reggae roots, con influencias de raggamuffin, dub, jungle y un profundo contenido lírico de carácter Rastafari, compromiso social e indígena y antirracista.

El nombre de la banda es un tributo a Patrice Lumumba, el primer primer ministro de la República Democrática del Congo (entonces República del Congo) y un héroe de la independencia africana, conocido por su activismo anticolonialista.

5. ALIEN WEAPONRY

Es una banda de heavy metal con Raíces Maoríes originaria de Waipu, Nueva Zelanda, que ha ganado gran atención mundial por su sonido y su fuerte conexión cultural. Sus letras están escritas e interpretadas en Māori, el idioma indígena de Nueva Zelanda, a menudo abordan temas de la historia maorí, mitología, batallas, injusticias coloniales, resiliencia cultural y problemas ambientales (como la contaminación del océano).

En su música destacando por su potente mezcla de groove/thrash metal con la fuerza e identidad de la cultura maorí, incorporan ocasionalmente instrumentos tradicionales maoríes y cánticos tribales en su música, haciendo de su propuesta un «rugido cultural». 

6. PANJABI MC

Rajinder Singh Rai es un músico, rapero y DJ británico de origen indio. Su música trata de mezclar ritmos panyabíes puros o fusionados con rap, tanto en inglés como en panyabí.  En la región de Punyab (entre India y Pakistán), existe la étnia asiática de Rajinder donde el bhangra es la principal disciplina artística desarrollada históricamente por los agricultores en la fiesta anual que celebraban por la llegada de la primavera, donde la cosecha del bhang (una especie de cáñamo) que le dio su nombre.

Su compromiso cultural se caracteriza por elevar el Bhangra a una audiencia global, ser un puente cultural y lingüístico para favorecer la interculturalidad y celebrar la identidad Desi (etiqueta cultural que engloba a la gente y la herencia del subcontinente indio, y que se ha convertido en un potente símbolo de comunidad y pertenencia para los que viven fuera de su tierra natal).

7. DJ SHUB

DJ y productor musical Mohawk norteamericano de las Seis Naciones del Grand River.  Es ampliamente considerado como el «Padrino del PowWowStep», un género musical que él ha ayudado a crear y popularizar. Este estilo fusiona la música electrónica de baile (EDM) con cantos, ritmos y elementos culturales indígenas, específicamente de los powwows.

Su canción «Indomitable» fue elegida como tema musical para la serie de Showtime «Who Is America?» de Sacha Baron Cohen. Su música es una mezcla de géneros como Trap, House, Moombahton, y EDM, impregnada de un profundo sentimiento cultural indígena. Su objetivo es elevar la música indígena a una escala global, fusionando su herencia con su arte.

8. LIDO PIMIENTA

Es una cantante, compositora, productora musical y artista visual colombo-canadiense. Nacida en Barranquilla, Colombia, reside en Canadá y es reconocida por su habilidad para fusionar, ritmos tradicionales indígenas y afrocolombianos como la cumbia y el bullerengue (a menudo con referencias vocales a las «cantaoras» del Caribe colombiano) junto con el synthpop y la música electrónica experimental.

Su trabajo es descrito como una exploración de temas sociales y personales como la identidad y género, la herencia cultural afro-indígena wayú colombiana y el feminismo como activismo político y social.

9. BLOODYWOOD

Es una banda de metal originaria de Nueva Delhi, India, formada en 2016. Su música se clasifica principalmente como Folk Metal con fuertes elementos de Nu Metal y Metalcore, incorporando instrumentos tradicionales como el Dhol (un tambor grande de doble cara) y la flauta india (bansuri), que añaden melodías exóticas y un ritmo festivo a la brutalidad del metal. Las letras son cantadas o rapeadas en una mezcla de inglés e hindi.

Bloodywood utiliza la música india para añadir una dimensión melódica y rítmica épica a la agresividad del metal occidental, usándolo como un vehículo para el activismo social y la expresión emocional.

10. OTYKEN

Es una banda de música folk y pop originaria del Krai de Krasnoyarsk, Siberia, Rusia. Con vínculo con las culturas indígenas de Siberia, particularmente con el pueblo Chulym (que es un grupo étnico pequeño y en peligro de extinción). Fusiona la música tradicional siberiana con géneros modernos occidentales (Pop, Rock, R&B y Electrónica) utilizando instrumentos siberianos auténticos como el Morin Khuur (Igil) (un instrumento de cuerda a veces hecho con un cráneo de caballo), el Komuz (instrumento de cuerda), el Vargan (Arpa de Boca), la percusión tribal y canto gutural.

Su objetivo es preservar y revitalizar la música y la cultura étnica siberiana, asegurando que sus tradiciones no desaparezcan, mediante vestimenta de atuendos tradicionales y videos musicales que se graban en la taiga siberiana, celebrando la naturaleza, la vida en el bosque y sus tradiciones ancestrales además de cantar en varios idiomas minoritarios siberianos, como el Chulym, el Jakasio y el Ruso.

11. UMMET OZCAN

Es un DJ y productor musical neerlandés de origen turco. Su música es principalmente EDM, explorando cada vez más las influencias melódicas y rítmicas de la World Music (Música del Mundo) junto con influencias del trance. Usa de instrumentación étnica (o sonidos sintetizados que la imitan) y la incorporación de estructuras melódicas que evocan culturas distintas a la electrónica occidental. Destacando la cultura turca y asiática central, además de influencias chamánicas y siberianas.

12. KONONO Nº1

Es un grupo musical originario de Kinsasa, República Democrática del Congo. Han ganado reconocimiento internacional por su sonido único y cautivador, a menudo descrito como una mezcla de música africana tradicional y vanguardia electrónica o incluso krautrock.

Su sonido distintivo se basa en el uso de tres likembés eléctricos. El likembé es un instrumento tradicional similar a la mbira (o «piano de pulgar»), pero los de Konono N°1 están modificados con micrófonos hechos a mano a partir de piezas de desguace de automóviles y conectados a amplificadores; e instrumentos fabricados con productos reciclados, como sartenes y cacerolas, creando ritmos potentes y complejos. Son los responsables de “Congotronics”, una experiencia sonora poderosa, combinando la raíz de su tradición congoleña con una innovación instrumental y rítmica sorprendente.

13. CHANCHA VIA CIRCUITO

Un influyente músico, productor y DJ argentino. Es considerado uno de los pioneros y máximos exponentes del género conocido como Folclore Digital o Cumbia Digital latinoamericana.

La Fusión Downtempo y Andina la consigue mediante utilización de elementos y melodías de la música tradicional del cono sur, especialmente de los Andes, incluyendo ritmos de Cumbia (colombiana, peruana y villera argentina), sonidero y la sonoridad del Folclore Argentino; y con una electrónica minimalista, ambiental y de bajo tempo (downtempo), con influencias de dub, house tribal y IDM. El resultado es una música introspectiva y bailable a la vez.

Ha redefinido la música de baile latinoamericana, llevando los sonidos del campo y la montaña a las pistas de club más vanguardistas del mundo. Formó parte de la B.S.O de la serie Breaking Bad.

14. ACID ARAB

Es un grupo de música electrónica formado en París, Francia, inicialmente como un dúo (Guido y Pierrot). Su proyecto se ha expandido y ahora actúan a menudo con un line-up más amplio que incluye músicos y colaboradores. Mezclan y fusionan la música de la región de Oriente (Oriente Medio, Norte de África, Líbano, Egipto, Turquía e incluso Bombay) con sonidos electrónicos.

Su sonido bebe de géneros como el Acid House pionero, el techno potente y el electro más puro, creando beats muy bailables y descarados, incorporando samples, instrumentos tradicionales y colaboraciones con vocalistas de la escena árabe (como Sofiane Saidi en el género raï argelino), infundiendo a su electrónica con melodías, ritmos y escalas distintivas del mundo árabe. Son un puente cultural, transmitiendo su amor por el mundo árabe desde el corazón de París hacia las pistas de baile globales.

15. BUSCABULLA

Es un aclamado dúo puertorriqueño de música electrónica y pop compuesto por Raquel Berríos (voz, letras y concepto) y Luis Alfredo Del Valle (instrumentalización, arreglos y producción).

Su estilo es El Synth-Pop Puertorriqueño con Tumbao Caribeño. Una amalgama nostálgica y sensual de géneros, utilizando una base de sintetizadores cálidos, beats electrónicos minimalistas y downtempo que crean un ambiente sexy y bailable; junto con melodías, ritmos y texturas del Caribe y Latinoamérica, incluyendo elementos de bolero, salsa, cumbia y funk. Toma la elegancia del synth-pop de los 80 y 90 y le añade el tumbao rítmico, la calidez vocal y la rica paleta cultural de Puerto Rico haciendo hincapié en la identidad, el exilio y la reconexión con su tierra natal.

16. A-WA

Es un vibrante trío musical israelí compuesto por las tres hermanas Haim: Tair, Liron y Tagel. Han alcanzado fama internacional por su mezcla enérgica de música folclórica yemenita y ritmos modernos. Su música se define por una audaz fusión cultural y sonora. Cantan principalmente en el árabe yemenita, utilizando melodías y líricas de canciones folclóricas tradicionales transmitidas oralmente por mujeres.

Esta es la base emocional y melódica del grupo. Sobre esa base tradicional, integran poderosos beats de Hip-Hop, elementos de Música Electrónica, y toques de Reggae y World Music. A este estilo ellas lo han llamado «Yemenite Folk n’ Beat». En resumen, las tres hermanas utilizan sus raíces culturales yemenitas para crear una música de vanguardia, celebrando la tradición mientras la impulsa hacia la pista de baile global.

17. NICOLA CRUZ

DJ, productor y músico franco-ecuatoriano (nacido en Francia, pero criado y residente en Quito, Ecuador). Es uno de los nombres más representativos de la escena de la electrónica World Music contemporánea y del Folclore Digital latinoamericano.

El «Andes-Step” se nutre de los sonidos tradicionales andinos y la cosmovisión indígena y selvática de Ecuador y Sudamérica. Utiliza samples de instrumentos como el siku (flauta de pan), el ronroco, e incorpora grabaciones de campo con sonidos de la naturaleza, cascadas y rituales ancestrales, junto con sus beats electrónicos como Downtempo, Techno Minimalista y el House. Es un explorador de texturas y ritmos que logra llevar la magia y el misticismo de los Andes y la selva amazónica a los clubes y festivales de música electrónica más importantes del mundo.

18. BURAKA SOM SISTEMA

Colectivo de música electrónica originario de Amadora, Lisboa (Portugal). El grupo se hizo famoso mundialmente por ser el principal catalizador de la expansión del Kuduro a la escena de club internacional. El grupo estaba formado por músicos portugueses y angoleños (miembros clave incluyen a DJ Riot, Branko, Conductor, Kalaf y la cantante y bailarina Blaya), representando el fuerte vínculo cultural entre Lisboa y las excolonias africanas de habla portuguesa.

El eje central es el Kuduro, un género de música y baile originario de Angola que combina breakbeats africanos con samples de música electrónica y voces. Llevan un ritmo underground de las ghettos africanos a los escenarios de los festivales más grandes del mundo, transformándolo en un fenómeno global de música de baile sin fronteras.

19. BOMBA ESTÉREO

Es una banda colombiana, originaria de Bogotá, cuyo estilo musical se define por ser una explosiva y psicodélica fusión de electrónica, dance y ritmos folclóricos tradicionales del Caribe colombiano.

Su «Electrocumbia Psicodélica» bebe principalmente de los géneros tradicionales del Caribe colombiano, como la Cumbia, el Cumbión, la Champeta, el Bullerengue y la Pulla; junto con géneros electrónicos modernos como el Reggae, el Dub, el Hip-Hop, el Dancehall y el Techno, creando una energía bailable y vanguardista. Es la banda que puso a bailar al mundo con los sonidos ancestrales de Colombia, transformando el folclore en una experiencia de club moderna y electrizante

20. SEPULTURA

Es una de las bandas de heavy metal más importantes y exitosas de la historia de Brasil y una de las más influyentes a nivel mundial. Su música se formó en el contexto de la dictadura militar brasileña, reflejando una agresividad cruda y socialmente consciente, siendo conocida por su constante evolución, aunque su base se ancla en el metal extremo.

Su máximo esplendor es a mediados de los 90, con los álbumes Chaos A.D. (1993) y especialmente Roots (1996), la banda fue pionera en el Groove Metal al incorporar elementos tribales, percusión brasileña y música étnica, influenciando directamente géneros posteriores como el Nu Metal. En definitiva, es admirada por su capacidad para llevar la cultura indígena y los problemas de Brasil al escenario global del heavy metal a través de una música que es tanto brutal como innovadora.

21. KING CHANGÓ

Banda de origen venezolano fundamental en el movimiento de Latin Ska y rock alternativo latinoamericano de la década de 1990. Se caracterizaron por su energía explosiva y su vasta fusión de géneros. Destacó por su capacidad para crear un sonido denso y festivo que integraba múltiples ritmos caribeños (incorporaban frecuentemente Cumbia, Funk, Hip-Hop, Dancehall, Dub y ritmos tradicionales latinos) y urbanos con el rock.

Sus letras, escritas en su mayoría por Blanquito Man (su líder), abordaban temas sociales, la identidad, la inmigración y la resistencia, a menudo con un tono irónico y subversivo

22. SON ROMPE PERA

Es una de las propuestas más originales e interesantes de la música mexicana actual, destacándose por su enfoque innovador en un género tradicional. Se han hecho famosos mundialmente por ser los abanderados del «Cumbia-Punk» o «Marimba (instrumento tradicional de origen mexicano)-Punk». Es la banda que electrificó la marimba y la sacó de los salones de baile para llevarla a los mosh pits con una mezcla única de cumbia, actitud punk y tradición mexicana.

Liderada por tres hermanos, el resultado es un sonido vibrante, bailable y caótico, que mantiene el corazón de la música popular mexicana mientras inyecta una dosis de rebeldía underground.

23. THROES + THE SHINE:

Son un trío musical que se ha destacado por su sonido único y fusionado, con origen en Portugal y Angola. Es una comunión entre músicos portugueses (los «Throes») y músicos de ascendencia angoleña (los «The Shine»). Esta mezcla cultural es la base de su sonido. Su estilo que ellos mismos bautizaron como «Rockuduro», una fusión explosiva de géneros (kuduro y rock) que ha evolucionado hacia la Afro Electronic Dance Music contemporánea.

Son especialmente famosos por su enérgica presencia en directo. Sus conciertos son una auténtica descarga de adrenalina que invita al baile desatado, lo que les ha permitido tocar en cientos de festivales por todo el mundo, consolidando su reputación internacional.

24. DIE ANTWOORD

Die Antwoord («La Respuesta» en afrikáans) es una de las bandas más singulares, controvertidas y visualmente impactantes del panorama musical internacional. Es un dúo musical muy carismático de rap-rave originario de Ciudad del Cabo, Sudáfrica, que ganó fama mundial de forma viral a partir de 2010.

Su música es una mezcla explosiva de Electro Rap-Rave, donde en sus letras mezclan el inglés con el afrikáans (idioma germánico hablado en Sudáfrica), e incluso a veces el xhosa (dialecto sudafricano), dando a sus letras un sabor local muy fuerte, a menudo con contenido explícito, chocante o humorístico.

La clave para entender a Die Antwoord es el concepto de Zef, una subcultura sudafricana que la banda abraza como su estética central, donde Zef, es un término local que, en esencia, describe un estilo que es a la vez «trashy» (de mal gusto, vulgar) y «moderno»; una estética que se apropia de lo que está pasado de moda o de la clase media baja sudafricana y lo transforma en algo cool y desafiante.

25. GOTAN PROJECT

Es un proyecto musical icónico que se estableció en París a finales de los años 90 formado por tres músicos de origen argentino, francés y suizo; que se convirtió en el principal impulsor de la fusión entre el tango argentino y la música electrónica. Su música es la mezcla de géneros que se conoce como Tango Electrónico o ElectroTango, utilizando instrumentos tradicionales del tango como el bandoneón, el violín y el piano; con ritmos de música electrónica, trip-hop, down tempo y jazz, usando loops, samples y efectos de dub y vocoder.

El nombre proviene del «vesre» (o «vésre»), un juego de palabras muy común en el argot rioplatense (Lunfardo) que consiste en invertir el orden de las sílabas en una palabra. Gotan Project logró cerrar la brecha entre la tradición musical de Buenos Aires y la cultura club europea, llevando el tango a una nueva generación.

26. INSTITUTO MEXICANO DEL SONIDO

Conocido popularmente por sus siglas IMS o Mexican Institute of Sound) es un proyecto fundamental en la escena musical alternativa y electrónica de México. El IMS funciona como una celebración y un homenaje a la vasta cultura sonora de México, buscando describir y reivindicar el sonido de la nación de una manera festiva y vanguardista.

Su estilo musical se le denomina Fusión «Mexrrisey», utiliza samples y referencias del mariachi, sonideros, cumbia, cha cha cha, y la música de grandes orquestadores mexicanos como Pérez Prado o Esquivel, fusiona estos elementos con ritmos modernos como el funk, el hip hop, el dub y la electrónica juguetona (downtempo y dance) para finalmente crear un estilo conocido por su mezcla de electro-cumbia con una actitud punk y letras que a menudo contienen críticas sociales o humor.

Su música ha aparecido en bandas sonoras de series y películas de renombre (Breaking Bad, Narcos, Y tu mamá también). Además, fue consultor musical clave para la exitosa película de Pixar, Coco (2017)

27. DENGUE DENGUE DENGUE

Es un dúo de productores, DJs y diseñadores gráficos de Lima, Perú, que ha logrado exportar un sonido único y festivo a festivales de todo el mundo.

Su sonido se define comúnmente como Tropical Bass o Electro Cumbia, una mezcla que es a la vez profundamente tradicional y radicalmente futurista. Su núcleo es la Cumbia Amazónica o Cumbia Psicodélica (también conocida como Chicha), un género peruano de los años 60 que fusionó la cumbia colombiana con el surf rock, la guitarra eléctrica y los sonidos psicodélicos de la selva, tomando samples y estructuras rítmicas para mezclarlos con géneros electrónicos contemporáneos como el Dub, el Footwork, el Techno, el Minimal y el Dubstep.

Además usan máscaras para crear una experiencia audiovisual completa. A pesar de haber comenzado fuertemente enfocados en la cumbia, la banda ha evolucionado incorporando ritmos afro-peruanos, como el festejo y el landó, así como texturas de la música tradicional de los Andes y explorando ritmos como el kuduro y el zouk.

28. SYNAPSON

Es un dúo de productores y DJs franceses que ha destacado en la escena electrónica por su enfoque melódico y por su profunda integración de la world music. El sonido de Synapson es una mezcla armoniosa de varios géneros de música house y electrónica y la fusión de culturas incorporando instrumentos en directo en sus producciones y shows. Han trascendido las fronteras musicales con proyectos como Global Musique Vol. 1 y Vol. 2.

Sus temas a menudo presentan colaboraciones con diversos cantantes, muchos de ellos de orígenes africanos (como Victor Démé o Bonga) lo que añade una calidez y una dimensión universal a su electrónica French Touch.

29. BATIDA

Es un proyecto musical fascinante y multifacético. No es solo un músico, sino un artista multimedia que utiliza la música para fusionar culturas y abordar temas sociales. Se le considera un catalizador de la escena Afroelectrónica global. Su estilo es una poderosa y vibrante fusión de música tradicional angoleña, música electrónica moderna y ritmos globales incluyendo influencias de la música de Luanda, Lisboa, y otros puntos de sus viajes.

Es un proyecto que involucra música, danza, artes visuales, fotografía y radio para en definitiva tomar las raíces rítmicas de Angola, vestirlas con un traje electrónico contemporáneo y contar historias sobre identidad, historia y resistencia.

30. ASIAN DUB FOUNDATION

Es una banda de fusión electrónica, formada en 1993, en talleres de tecnología musical para jóvenes asiáticos en el Community Music de Londres. Son conocidos por su mezcla explosiva y única de géneros, Drum and Bass, Jungle, Melodías tradicionales de la India (Bhangra), Rap/Raggamuffin y Actitud Punk/Rock y Guitarras Post-punk.

Se les ha llamado «Los Guerreros del MIDI del siglo XXI» por su fuerte contenido político y social. Abordan temas como el antirracismo, la crítica a la globalización, las luchas sociales, la identidad de los asiáticos británicos y la denuncia de las problemáticas contemporáneas. También han incursionado en proyectos como la sonorización en directo de la película francesa La Haine (El Odio).

31. RESIDENTE

Es un artista puertorriqueño muy influyente conocido por su trabajo como rapero, compositor, productor discográfico, director de cine y activista. El rasgo más distintivo de Residente es el contenido de sus letras. Estas suelen ser profundas, crudas y cargadas de sinceridad. Se centran comúnmente en temas sociales, políticos, culturales y contingentes, defendiendo causas como los derechos educativos y los derechos de los nativos.

Utiliza su plataforma para el activismo. Ha sido reconocido por organizaciones como Amnistía Internacional por su compromiso social y su identificación con los jóvenes de Latinoamérica.En definitiva, es un referente cultural y social, conocido por ser la voz rebelde y crítica de una generación, con una carrera llena de éxitos y reconocimientos.

32. JAMBINAI

Es un trío de post-rock experimental originario de Seúl, Corea del Sur. Son aclamados internacionalmente por crear un sonido único y dramático que rompe con los estereotipos de la música coreana (como el K-Pop), combinando lo ancestral con lo contemporáneo. El rasgo más distintivo de Jambinai es la fusión de instrumentos tradicionales coreanos con elementos de rock moderno, post-rock y metal.

La sonoridad de Jambinai es inconfundible gracias a la inclusión de instrumentos folclóricos coreanos como el Haegeum (especie de violín o viola ancestral de dos cuerdas, tocado con arco), el Geomungo (una cítara tradicional con una historia de cerca de quince siglos) y el Piri (Un oboe tradicional fabricado en bambú, que aporta melodías penetrantes).

En resumen, es un grupo innovador que busca trasladar la música tradicional coreana al siglo XXI, utilizándola no para la meditación suave, sino como la base de un sonido potente, oscuro y lleno de una energía vanguardista que ha cautivado a audiencias en festivales de todo el mundo.

33. PLASTILINA MOSH

Es un influyente dúo mexicano de rock y electrónica, originario de Monterrey, Nuevo León. Son considerados una de las bandas más originales e importantes de la escena musical mexicana contemporánea, formando parte del movimiento conocido como la Avanzada Regia junto a grupos como Control Machete. Su música se define por la fusión audaz, irreverente y ecléctica de múltiples géneros, sin preocuparse por encajar en una sola etiqueta.

Fusionan elementos de rock, hip-hop, jazz, música electrónica, funk, punk, y disco. En español e inglés, con un sonido es alegre, divertido e irónico. En resumen, es un dúo que revolucionó la música alternativa latina con su libertad creativa y su rechazo a las etiquetas, entregando un sonido potente, bailable y lleno de ironía.

34. TALVIN SINGH

Es un músico, productor, compositor y percusionista británico, ampliamente reconocido por ser uno de los pioneros del movimiento Asian Underground. Su estilo principal es la fusión de música clásica india con la electrónica contemporánea, especialmente el drum and bass y el trip hop, utilizando la tabla (instrumento de percusión indio), que ha logrado llevar a la vanguardia de la música popular y electrónica.

A finales de los 90, fundó el emblemático club nocturno Anokha en el Blue Note de East London, que sirvió como punto de encuentro para DJs de drum and bass y artistas de punk asiático, y del cual surgió una importante compilación: Anokha: Soundz of The Asian Underground. En 2015, fue condecorado con la Orden del Imperio Británico (OBE) por sus servicios a la música, tras haber colaborado con artistas tan importantes como Björk, Madonna, Massive Attack o Duran Duran.

35. ORISHAS

Es un grupo emblemático de Hip Hop cubano conocido por su innovadora fusión musical y su fuerte identidad cultural. Su música es una mezcla revolucionaria de Hip Hop/Rap con ritmos tradicionales cubanos como el Son, el Guaguancó, la Rumba, la Timba y otros elementos de la música afrocubana. El nombre del grupo hace referencia a la religión Yoruba, muy presente en la cultura cubana, lo que subraya sus profundas raíces.

Son considerados los máximos representantes del Hip Hop cubano en el mundo. Sus letras a menudo exploran temas de identidad, nostalgia por Cuba, la vida del emigrante y la crítica social.

36. BEDOUIN

Es un dúo estadounidense de producción musical y DJ formado por Tamer Malki y Rami Abousabe. Su sonido es muy distintivo y se caracteriza por una mezcla de Deep House Psicodélico e influencias de su herencia oriental (Oriente Medio) con su crianza occidental y sus viajes por el mundo para generar un estilo nomádico y orgánico. 

Su música incorpora ritmos downtempo, instrumentos acústicos, voces suaves y percusiones étnicas, creando un viaje sonoro atemporal y espiritual.

37. ÌFÉ

Es un proyecto musical audaz y muy original originario de Puerto Rico, liderado por el músico, productor y percusionista afroamericano Otura Mun. Su esencia radica en una fusión futurista que combina la música tradicional afrocaribeña con la vibrante electrónica moderna. Utiliza ritmos y cantos tradicionales de origen africano, especialmente la rumba afrocubana y la música religiosa yoruba junto con géneros contemporáneos de gran impacto de bajos, como el Dancehall jamaicano, el Trap y el Afro-Beat.

Resumiendo, es una propuesta que ha sido aclamada por revolucionar la música electrónica afrocubana, ofreciendo un sonido que es a la vez ancestral y ultramoderno, actuando como un puente entre la tradición Yoruba y las pistas de baile del siglo XXI

38. CONTROL MACHETE

Fue uno de los grupos más importantes e influyentes del hip hop mexicano y latinoamericano a finales de los años 90 e inicios de los 2000. Originarios de Monterrey, Nuevo León, México, formaron parte del movimiento conocido como la Avanzada Regia. El sonido de Control Machete fue innovador y crucial para llevar el hip hop de México del underground al mainstream a nivel continental. Con beats influenciados por el sonido del rap de la Costa Oeste de EE. UU., especialmente grupos como Cypress Hill y Delinquent Habits.

Sus letras abordaron temas de la realidad social mexicana, la vida cotidiana en el norte del país, críticas, reflexiones y la búsqueda de identidad, con un tono a menudo contestatario y directo. Control Machete logró un éxito comercial y crítico, su canción «Sí Señor» apareció en la banda sonora de la aclamada película mexicana Amores Perros y apareció en un anuncio publicitario durante la Super Bowl.

39. THE SPY FROM CAIRO

Es un proyecto musical electrónico y de world music de Moreno Visini, un músico y productor italiano radicado en Brooklyn, Nueva York, quien también es conocido por su antiguo alias Zeb. Su música se describe mejor como una mezcla de géneros electrónicos con profundas raíces orientales y jamaicanas, creando un sonido único, a menudo referido como «Arabadub»

Utiliza la profundidad y los efectos del dub (reggae instrumental) y los ritmos rotos del breakbeat, incorpora melodías y texturas de la música árabe, india y balcánica e incorpora instrumentos tradicionales en sus producciones, como el Oud árabe (laúd de Oriente Medio), Saz turco, Sitar indio o Cifteli albanés (instrumento de cuerda con mástil largo). En esencia, su música busca introducir los sonidos emotivos de Arabia a un público de música electrónica occidental, conectando el universo jamaicano del dub con su experiencia de Oriente Medio.

40. ANA TIJOUX

Es una destacada cantante, rapera, letrista y compositora franco-chilena, reconocida mundialmente como una de las raperas más importantes en español. Su música se centra en el hip-hop consciente y el rap alternativo, fusionando también con el trip hop y el jazz rap.

Es conocida por sus letras valientes, feministas y antifascistas con compromiso político y social, denunciando las carencias sociales y culturales, y se posiciona a favor de los derechos de las mujeres y contra la violencia de género, explorando «asuntos sensibles sin violencia». En 2020, la BBC la eligió como una de las 100 mujeres más influyentes del mundo.

41. PROFESOR ANGEL DUST

Es un músico, DJ, productor y agitador cultural nacido en la Ciudad de México que ha desarrollado gran parte de su carrera en Europa. El sonido de Profesor Angel Dust se caracteriza por la mezcla de estilos y un enfoque ecléctico con una base electrónica mestiza. Promotor de las míticas fiestas Bongo Lounge, que revolucionaron la noche de la ciudad de Barcelona al mezclar estilos y culturas.

Ha trabajado con grandes nombres de la música española y latina, incluyendo remezclas para artistas como Peret y producciones con Mucho Muchacho (7 Notas 7 Colores) y Marina de Ojos de Brujo. Organizador de un festival por la paz dentro de una prisión y creador de un programa de rehabilitación a través de la música para ayudar a presos. En resumen, es un verdadero agitador cultural y una figura de leyenda en el circuito underground.

42. Luzmila Carpio

Es una artista boliviana, compositora, cantante e intérprete de charango, considerada una de las figuras más importantes y reconocidas en el género de la música del mundo (world music) y el folklore andino. Su lengua materna es el quechua, y la mayor parte de su extenso repertorio de más de 120 canciones está cantado en este idioma, aunque también canta en aymara y español.

Su voz es su rasgo más distintivo, conocida como La Voz de los Andes. Utiliza un registro muy alto (soprano), casi sin edad, que imita a la perfección el canto de los pájaros y los sonidos de la naturaleza andina (como el Canto a la Gaviota). Este estilo no es solo una técnica, sino una forma de conexión con las melodías que, según ella, toma prestadas de las aves del altiplano.

Está profundamente comprometida con la defensa de la identidad, las lenguas y las culturas indígenas de los Andes, luchando contra la discriminación y por la visibilidad de su pueblo. Sus composiciones reflejan una veneración profunda a la Pacha Mama y la relación ancestral del pueblo Q’ara Q’ara con la naturaleza. Su trabajo es un esfuerzo constante por la descolonización cultural, llevando la música andina a un plano universal sin que pierda su identidad esencial. Entre 2006 y 2011, fue Embajadora de Bolivia en Francia.

43. EL REMOLÓN

Músico, productor y DJ argentino, pieza fundamental en el desarrollo y la popularización de la escena de la «cumbia digital» y el folclore electrónico latinoamericano a nivel mundial. Pionero de la Cumbia Digital, es considerado uno de los precursores de este género. Su sonido toma ritmos latinos populares, especialmente la cumbia y, en sus inicios, el reggaeton, y los fusiona con la ingeniería y las texturas del minimal techno, dub y breakbeat.

Con el tiempo, ha profundizado en ritmos folclóricos argentinos menos explorados como la vidala y la chacarera, y ha incorporado instrumentos autóctonos como el bombo legüero y el charango en contextos electrónicos. Su música a menudo lleva un mensaje de conciencia social y ambiental, respetando y revalorizando las raíces latinoamericanas desde una perspectiva futurista. Es uno de los pilares del sello argentino ZZK Records y fundador de su propio sello, Fértil Discos.

44. GHETTO KUMBÉ

Es un trío colombiano que se ha convertido en un referente de la nueva escena Afrohouse a nivel mundial. Su propuesta musical es un ritual de tambores que combina la rica herencia de los ritmos tradicionales afrocolombianos y caribeños (inspirados en los tambores) con la experimentación electrónica moderna, creando un sonido que ellos llaman «Afro-Electro-Caribe» o «rumba digital».

Su música se enmarca en el afrofuturismo, siendo un movimiento de reivindicación cultural. Sus canciones tienen un componente social y político, explorando temas como la injusticia, el poder, el sistema opresor y la violencia, además de una intención introspectiva que busca llevar a la gente a otros estados mentales.

45. ALSARAH & THE NUBATONES

Es una banda de música Retro-Pop de África Oriental con sede en Brooklyn, Nueva York. Son una de las voces más distintivas y celebradas en la escena global de la World Music. Liderado por la sudanesa-americana Alsarah (nacida en 1982), quien es cantante, compositora y etnomusicóloga.

La música está profundamente arraigada en los sonidos del antiguo reino de Nubia y el folklore sudanés. Explora líricamente la diáspora, la identidad y la nostalgia por un hogar que ya no existe (un sentimiento muy ligado al pueblo nubio que fue forzado a migrar tras la construcción de la Presa de Asuán).

La banda practica Afropolitismo una mezcla de instrumentos tradicionales de Oriente Medio y África con un enfoque moderno, utilizando el Oud (El laúd árabe), esencial en su sonido, percusión africana/árabe desarrollando ritmos complejos y vibrantes y voces de soul transcultural que celebra la rica historia musical de la región de Nubia a través de una visión moderna.

46. SYSTEMA SOLAR

Es un colectivo artístico-musical originario de la región Caribe de Colombia. Su propuesta es una celebración de la cultura popular de la costa, llevada a una dimensión futurista y global.

El colectivo creó su propio género y concepto, al que llaman «Berbenáutika». Berbena: Se inspira en la verbena, la fiesta popular callejera tradicional de la costa caribeña, y en los «pikós» (los gigantescos sistemas de sonido artesanales que son el centro de estas celebraciones). Náutika: Hace referencia a la idea de navegar o viajar a través del espacio-tiempo con su música, llevando el sabor afrocaribeño a todas partes.

Su sonido es una explosión de música tradicional colombiana (cumbia, el bullerengue, el fandango y la champeta) mezclada con electrónica y estilos urbanos. El colectivo no solo se centra en la fiesta, sino que también tiene un fuerte componente de compromiso social y político en sus letras, abordando temas de injusticia, cultura y medio ambiente.

47. MATANZA

Es un trío chileno de productores y músicos que se han convertido en pioneros del sonido que mezcla la electrónica moderna con la herencia cultural sudamericana.

Su música se define como una fusión de «neo folklore» y «cultura global». El resultado es una propuesta de música electrónica étnica o Tribal Tech House, utilizando ritmos y melodías de la América indígena y andina (particularmente del altiplano y el norte de Chile) e instrumentos tradicionales en vivo como charangos, maderas, cueros y cañas, que son procesados y mezclados con sintetizadores, bases house y techno junto con elementos del dub y rave. 

Buscan crear un estado de trance impulsivo y conectan la pista de baile con la etnomusicología, creando un puente entre lo ancestral y lo futurista.

48. SHANTEL

Es un influyente productor, músico y DJ alemán conocido por ser una figura clave en la difusión de la música de los Balcanes a nivel global, fusionándola con electrónica moderna. El sonido de Shantel es enérgico, frenético y altamente bailable, definido por la fusión de Música Balcánica/Gitana (Utiliza el sonido vibrante de las bandas de metales gitanas (trompetas, acordeones, violines) y el folclore del sureste de Europa) y Electrónica de Baile.

Es el arquitecto del Balkan Beat, llevando la tradición gitana y los ritmos del Este de Europa a la pista de baile electrónica global. En directo, presenta una banda numerosa (a menudo con músicos de origen gitano o balcánico) tocando instrumentos tradicionales sobre una base rítmica electrónica.

49. NICOLAS JAAR

Es un DJ, compositor y productor musical chileno-estadounidense reconocido por desafiar las convenciones de la música electrónica de baile. Su trabajo se mueve constantemente entre el club nocturno y la experimentación de vanguardia. El sonido de Jaar es deliberadamente lento, ambiental e introspectivo, de base house low tempo, creando atmósferas melancólicas, sensuales y profundas.

En sus álbumes más recientes, como Sirens, ha explorado temas de sus raíces chilenas y un contenido más explícitamente político, a menudo utilizando el ruido y la distorsión como elementos narrativos.

50. NICKODEMUS

Nick DeSimone es una figura prominente en la escena de la World Music electrónica y el Downtempo global. Es un DJ, productor y músico de Brooklyn, Nueva York, reconocido por su habilidad para fusionar ritmos y sonidos de todo el mundo, creando una experiencia de baile y escucha verdaderamente global.

Su música se caracteriza por ser “Global Disco» o «World House», Es considerado uno de los DJs más prestigiosos que se nutre de la diáspora cultural de Nueva York, incorporando ritmos latinos, africanos, de Oriente Medio, caribeños y de los Balcanes. Nickodemus es un «enlazador de mundos» que utiliza los beats electrónicos para celebrar la diversidad cultural y el baile global. Dirige el sello Wonderwheel Recordings, una plataforma dedicada a promover artistas de World Music de calidad.

51. GOJIRA

La banda francesa en su obra más importante Fortitude, su séptimo álbum representa un punto de inflexión en su sonido, se aventura en territorios más experimentales. La canción «Amazonia» introduce percusión y sonidos tribales inspirados en la música tradicional sudamericana, mientras que la pista que da nombre al disco, «Fortitude», es una pieza instrumental de carácter místico y tribal.

El concepto central de Fortitude (que significa «Fortaleza» o «Entereza») es el activismo social y la conciencia ambiental. La banda, a través de sus letras, incita a la humanidad a despertar su coraje y a luchar por el planeta.

Defensa del Amazonas, La banda organizó una recaudación de fondos para la Articulación de los Pueblos Indígenas de Brasil (APIB) a través de su single “Amazonia”. En temas como «Born For One Thing» exploran la fugacidad de la vida y la filosofía oriental (tibetana), invitando a liberarse de las posesiones materiales. Fortitude es una obra ambiciosa que consolida a Gojira en la cima del metal mundial, ofreciendo un balance perfecto entre la intensidad cruda, la profundidad melódica y lírica, anticonsumismo, desobediencia civil, responsabilidad social y resistencia pacífica.

52. EL BÚHO

El artista Peter Archer es un productor, DJ y multiinstrumentista británico cuyo trabajo se centra en la música electrónica orgánica y downtempo, con una profunda conexión con los sonidos de Latinoamérica. Es una figura clave en el movimiento del «Folktrónica» o «Andes Step». Siendo pionero del Cumbia Downtempo.

Su música se basa en la fusión de ritmos electrónicos lentos (downtempo y slow house) con instrumentación acústica y folclórica. Un sonido profundamente influenciado por la cumbia, el folklore andino (Perú, Bolivia, Ecuador) y la música ambiental de la región. incorporando sonidos de la naturaleza (pájaros, agua, viento, insectos), buscando crear paisajes sonoros inmersivos que reflejan la biodiversidad y la vida rural.

Su trabajo tiene un fuerte mensaje ambiental y de activismo. Su álbum Balance, por ejemplo, fue un proyecto de remezclas que donó las ganancias a causas ambientales.

53. THORNATO

El artista Thor Partridge es un productor de música electrónica. Es una figura destacada dentro de la escena de la World Music electrónica y la fusión global, en concreto, electrónica panamericana. Su sonido es principalmente una mezcla de electrónica, dancehall y ritmos latinos (especialmente colombianos y afroecuatorianos). Una amplia paleta de géneros, incluyendo el dancehall jamaicano, la cumbia colombiana, la marimba afroecuatoriana, sonidos del sur de África y hasta toques de flamenco.

Thornato es un productor trotamundos que utiliza los beats electrónicos para celebrar la diversidad de los ritmos y melodías del mundo.

54. BONOBO

Simon Green es un influyente productor, músico, compositor y DJ británico, residente en Los Ángeles. Es una figura central en la música electrónica downtempo y el trip-hop contemporáneo, conocido por su habilidad para construir paisajes sonoros orgánicos y texturizados.

El sonido de Bonobo es sofisticado, melancólico y profundamente inmersivo. Influencias claras del trip-hop (similar a Massive Attack o Portishead, pero con un enfoque más luminoso), instrumentación acústica, samples de jazz, folk y world music, percusión compleja y bajos envolventes, creando un sonido cálido y humano, uso de melodías sutiles y texturas sonoras, creando piezas que son tanto aptas para la pista de baile (dance floor) como para la escucha introspectiva (chill-out) y y elementos de world music y géneros global dance, sin perder su firma melancólica.

En directo, se presenta con una banda completa (incluyendo instrumentos de viento, cuerdas y vocalistas en vivo como Andréya Triana (en álbumes anteriores) y Rhye, Nick Murphy (Chet Faker), o Gretchen Parlato (en trabajos más recientes).

55. RODRIGO GALLARDO

Es un músico, compositor, multi instrumentista y productor chileno, reconocido como uno de los referentes clave en la escena mundial de la Folktrónica o Electrónica Orgánica latinoamericana.

Su música tiene su origen en el folklore andino y la música de raíz latinoamericana. Desde niño se inició con instrumentos como el charango y la zampoña (instrumentos de caña). Sus influencias provienen de la Nueva Canción Chilena (Violeta Parra, Víctor Jara, Inti-Illimani). Superpone esta base folclórica con la modernidad de los beats electrónicos, samples y bajos profundos, creando un downtempo y slow house envolvente.

Sus letras y composiciones buscan la conciencia colectiva y la conexión ancestral, transmitiendo un mensaje espiritual y reflexivo.

56. KLIK & FLIK

Agustín Della Croce (Klik) y Martín Espada (Frik) es un proyecto musical de folktrónica y electrónica orgánica originario de Argentina que se ha establecido como una fuerza creativa dentro de la escena global del downtempo latinoamericano.

Su música fusiona ritmos electrónicos lentos (deep house, slow techno o downtempo) con sonidos orgánicos y tradicionales sudamericanos (desde la cumbia colombiana hasta los beats de raíz andina y africana). Utilizan percusiones envolventes y samples vocales que dan a su música una calidad hipnótica, ideal tanto para escuchar como para bailar en festivales, invocando paisajes naturales y un sentido de conexión terrenal.

Son co-fundadores del sello discográfico independiente Shika Shika, junto a El Búho (Peter Archer). Este sello se ha convertido en una plataforma fundamental y líder mundial para la música folktrónica y world music electrónica