Siguiendo la estela de aquel programa de TVE llamado Un país para escucharlo, en esta nueva edición de la «Rave Indígena», los DJs extremeños Supersexy Sound System nos ofrecen un recorrido por el folk remezclado, reinterpretado, rebautizado o creado por artistas de distintas generaciones, pertenecientes a todas las comunidades autónomas de España.
Se trata de dar voz a los diferentes pueblos y lenguas que forman parte del Estado. El objetivo es presentar, a través de la música, la plurinacionalidad de nuestra tierra en favor de la riqueza, la heterogeneidad y la diversidad de un país que va más allá del “Madrid” y de su ombligo político, mediático, social, económico y cultural. Este último lo invade todo en favor de una centralidad engullidora y homogénea que pretende ser impuesta y que vacía al resto del territorio en favor de una “España Grande y Libre”.
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Es una vanguardia que reivindica la tradición para contener negacionismos, movimientos reaccionarios, la falsa libertad enmascarada en forma de fake news y dogmas ultraconservadores que buscan imponer un pensamiento único que se apropia de un símbolo para enarbolar una bandera que no representa al todo, sino a una parte, y que se aleja de la riqueza idiosincrásica de la península y de todas sus regiones, y qué mejor que reivindicarlo en el mes del “falso patriotismo”.
A continuación, compartimos parte de la selección y presentación de grupos, artistas y colectivos del ámbito nacional que, desde la música, respaldan el carácter de los diferentes pueblos del Estado:
Rave Indígenea: El Neofolclore y la Plurinacionalidad Musical en España
ANDALUCÍA
CALIFATO ¾
Es un colectivo musical andaluz, con un estilo es muy distintivo y ellos mismos lo han catalogado como «folclore futurista». Mezclan elementos de la tradición musical andaluza (especialmente el flamenco, la copla y las bulerías) con géneros modernos como la electrónica, el rock, el punk, el ambient, el dance y el drum & bass.
Hacen muchas referencias a su tierra y lengua natal y tienen una notable tendencia andalucista, reinventando la cultura y la idiosincrasia flamenca desde una perspectiva «respetuosa a la vez que irreverente». Como ellos mismos dicen: «Hemos salido de nazarenos y hemos ido a las raves».
Es una de las propuestas más innovadoras y emocionantes del panorama musical actual en España, creando un universo sonoro único que conecta las raíces andaluzas con la vanguardia electrónica.
LE PARODY
Es el seudónimo artístico de Soledad Sánchez Parody, una cantante, compositora y productora andaluza. Es una de las voces más singulares e innovadoras de la escena musical contemporánea en España.
Su música se caracteriza por ser una fusión audaz y experimental que integra elementos del folclore andaluz (flamenco, copla, nanas) y, en menor medida, ritmos latinos y sonidos del Medio Oriente, a menudo de forma «inventada» o tribal, y la electrónica, el sampling y el looping como columna vertebral de sus composiciones, combinando la tradición con la producción de vanguardia.
Se ha descrito su música como la que «conecta los puntos entre Björk y Julieta Venegas» y la que «cabría en el hueco que separa una verbena de una rave». Canciones que «suenan familiares, pero no se parecen a nada», estableciendo un diálogo entre las raíces andaluzas y la experimentación sonora más contemporánea.
ARAGÓN
IDOIPE
El artista Javier Idoipe Rubio, es un músico, DJ y productor originario de Aragón. Es conocido por ser una figura clave en la renovación de la música folclórica aragonesa, combinándola con la vanguardia electrónica.
Es un exponente de la fusión entre tradición y vanguardia. Combina bases rítmicas de la música electrónica contemporánea (como el indie electrónico y los bajos potentes) con el folclore de Aragón. Para ello, fusiona instrumentos tradicionales aragoneses como la bandurria, las castañuelas, la flauta de pico, la dulzaina y la jota, con sintetizadores y percusión electrónica.
Su objetivo es llevar el folclore aragonés a la pista de baile y mantener viva la identidad cultural desde una perspectiva renovadora, utilizando grabaciones de campo, historias, cantos tradicionales de sus abuelos y hasta letras en aragonés para construir un universo sonoro inmersivo.
ASTURIES
RODRIGO CUEVAS
Es una de las figuras más singulares, carismáticas y premiadas del panorama cultural español reciente, siendo galardonado con el Premio Nacional de las Músicas Actuales 2023. Es un artista total y agitador folclórico que combina música, performance, humor, cabaret y activismo.
Su columna vertebral es la música tradicional asturiana (la tonada, la copla, la jota, las habaneras), combina estos cantos y ritmos tradicionales con música electrónica, synth-folk y bases de baile, creando un sonido que él mismo define como «Tonada Glam» o «Cabaret Underprao».
La parte más impactante de su arte es su puesta en escena con su look icónico y provocador, fusionando la estética rural (madreñas, ropa de faena) con elementos de drag, cabaret, glam y lencería, como el famoso uso de las batas de guata o batas de andar por casa para generar una experiencia teatral, llena de humor, crítica social, sensualidad y un diálogo constante entre lo ancestral y lo moderno, con la pluma como elemento central de su arte.
Utiliza su trabajo para defender el medio rural, la cultura tradicional y los derechos LGTBIQ+ con un mensaje de libertad y diversidad.
BALEARS ILLES
NASTALLAT
La trayectoria musical de Nastallat empezó en el Conservatorio de Igualada, donde Laia Rius, protagonista del proyecto, estudió violín, guitarra y música hasta los 18 años. Durante la universidad redescubrió la pasión por la música y el baile tradicional, especialmente el baile de bote y la cultura mallorquina. Y en 2021 empezó a explorar la música electrónica como DJ, buscando una conexión entre tradición y modernidad.
Laia Rius fusiona la música de raíz y electrónica, en homenaje a la cultura mallorquina y a la característica física de sus abuelos. Como ella mismo define: “No hi ha supervivència ni plaça sense una bona Ballada”.
Nastallat quiere servir de refugio a todo el que añora la tierra, pero también un lugar para celebrarla y darla conocer a todo el que esté interesado. Es un homenaje a las raíces e incluso una conquista de espacios en los que ahora no tienen presencia. Es volver a cantar aquellas canciones que nos han acompañado, pero en lugares donde no habríamos imaginado, y conectar con la raíz de nuestra cultura desde una nueva perspectiva.
CANARIAS
EL GUINCHO
El artista Pablo Díaz-Reixa es uno de los músicos, productores y compositores más influyentes e innovadores de la escena musical española contemporánea.
Su estilo es complejo y ha evolucionado con el tiempo, pero siempre se ha caracterizado por la experimentación y la fusión de géneros. Destacando un sonido que mezcla el pop luminoso con el tropicalismo brasileño, ritmos africanos y calypso (disco-calypso). Utiliza intensivamente el sampler para construir sus canciones a partir de loops y sonidos «del mundo». Su música es maximalista y altamente bailable, sin prejuicios, buscando siempre planteamientos frescos y creativos.
Es mundialmente conocido por ser el productor musical de cabecera de Rosalía, especialmente en los álbumes El Mal Querer (2018) y Motomami (2022), ganando múltiples premios Grammy Latinos. Ha colaborado con figuras internacionales como Björk (en el álbum Biophilia) y ha trabajado con artistas de la música urbana española como Bad Gyal y Beny Jr.
LA JALADA
Es el proyecto en solitario de la cantante, compositora y productora canaria Belén Álvarez Doreste. Se mueve en la frontera entre la electrónica de autor y la canción íntima, creando atmósferas envolventes, fusionando la ancestralidad y el folclore canario con la modernidad electrónica, combinando la calidez de la guitarra y el teclado con beats y sintetizadores, resultando en una forma de electropop reflexivo.
Es una figura destacada de la nueva escena musical canaria que utiliza la electrónica experimental como herramienta para explorar su propia intimidad y sus raíces insulares.
CANTABRIA
CASA PALMA
Es un proyecto musical de folclore de vanguardia formado por el dúo Irene y Yoel. Su sonido es una fusión audaz que conecta la tradición montañesa con la música contemporánea. Se basan en el cancionero popular de Cantabria, buceando en cintas antiguas, la tradición oral, las montañesas y las jotas regionales. Su nombre, de hecho, hace referencia a una casona familiar en Cabuérniga.
Abordan la música tradicional desde una perspectiva contemporánea, introduciendo elementos de electrónica experimental, pop alternativo, reggaetón lento y el jazz (por la formación de sus integrantes). Buscan «resignificar, recodificar y amplificar el imaginario folclórico montañés» para que dialogue con las frecuencias de la música global del siglo XXI.
CASTILLA LA MANCHA
BEWIS DE LA ROSA
Beatriz del Monte es una figura multidisciplinar y una de las voces más originales de la música independiente española actual. Se la considera una referencia del movimiento que ella misma ha denominado «Rap Rural».
Su música es una mezcla de rap, hip-hop, latín y elementos de folclore (especialmente de sus raíces manchegas en Cuenca). Lleva el rap, un género tradicionalmente urbano, a la estética, las temáticas y los sonidos del campo y las áreas rurales, como vehículo para la crítica social y la introspección desde una perspectiva vinculada a la tierra.
Utiliza elementos de percusión y sonidos que evocan la tradición, como panderos, y unas letras que abordan temas como el decrecimiento, el transfeminismo, la herida histórica, la salud mental y la necesidad de soberanía alimenticia y conexión con la tierra, poniendo en valor los saberes de la tierra, la memoria y la vida en los pueblos y rompiendo el cliché urbano del rap.
Bewis de la Rosa es una artista poliédrica y no se limita solo a la música. La danza y el teatro, junto con la investigación y la poesía, la convierten en una artista poderosa y auténtica.
KARMENTO
Carmen Toledo Sánchez es una cantautora, sexóloga y educadora que se ha convertido en una de las figuras más destacadas del neofolclore español. Su arte se basa en la fusión de las raíces de su tierra con un sonido contemporáneo e íntimo. Rescata las tradiciones musicales manchegas (según la zona: coplas, seguidillas, cantos de labor, folklore serrano) y las fusiona con géneros modernos (elementos de pop, flamenco, copla, indie y música étnica).
Sus letras están profundamente arraigadas a la sierra de Albacete, reflejando su autenticidad, emotividad y la conexión con sus orígenes rurales, influenciada por su abuela, de quien aprendió muchas canciones tradicionales. Ha sabido llevar el corazón de La Mancha al pop actual, utilizando el folclore como una herramienta para hablar de lo universal: la emoción, el amor, el desarraigo y la autenticidad.
CASTILLA Y LEÓN
DELAMESETA
Es un dúo musical de Valladolid (Castilla y León, España) que se ha consolidado como un referente de la folktrónica o folclorismo urbano de la Meseta Central. Su propuesta artística se basa en un concepto que ellos mismos resumen como «música de raíz con electrónica». La unión de la música tradicional de Castilla y León (coplas, jotas, seguidillas, cantos de labor) con ritmos y sonoridades urbanas y electrónicas contemporáneas.
Buscan revalorizar el folclore y convertir sus conciertos en una «verbena» moderna, utilizando el repertorio del baile tradicional de la zona, poniendo especial foco en los ritmos de pandereta.
Es un proyecto fresco, atrevido y enérgico que toma la esencia de las pandereteras de las plazas de los pueblos de Castilla y León y la lleva directamente a la pista de baile electrónica, demostrando que la tradición puede ser totalmente vanguardista, divertida y transversal, con capacidad para dialogar con la música del siglo XXI, inspirándose en cancioneros, trabajos de campo y grabaciones para rescatar piezas poco conocidas.
DULZARO
Es el nombre artístico de Alberto Domínguez (Valladolid, 1994), un artista, productor y compositor que se ha consolidado como una de las figuras clave en la renovación de la música de raíz en España. Su propuesta destaca por fusionar con maestría el folclore de Castilla y León con los sonidos experimentales de la electrónica y el pop de vanguardia.
Dulzaro no solo busca «rescatar» el folclore, sino dotarlo de una nueva vida que interpele a las generaciones jóvenes, demostrando que una jota, un charro o un corrido pueden sonar en una pista de baile o en un festival de vanguardia sin perder su esencia.
Ícaro (2025) es su álbum debut, que representa un ejercicio de «liberación» personal y artística. En este disco, el artista explora temas como el desamor, la identidad LGTBIQ+ en el mundo rural y la resistencia cultural.
Utiliza la poesía lorquiana para dotar a sus letras de una carga dramática y visual que conecta con la «España vaciada» y la melancolía del campo, posicionándose dentro de ese movimiento nacional que reivindica las lenguas y ritmos periféricos frente a la homogeneidad comercial.
CATALUNYA
THE TYETS
Es un dúo de Mataró (Barcelona) formado por Oriol de Ramon y Xavier Coca. Se han convertido en el fenómeno musical más importante de Cataluña en los últimos años, logrando algo que parecía imposible: conectar el folclore más tradicional con las generaciones de la era TikTok.
Trapetón es su música, una mezcla festiva y desenfadada de trap, reggaetón y pop, cantada íntegramente en catalán. Han roto las barreras idiomáticas, logrando éxitos que suenan en toda la península. Desde el Mediterráneo, The Tyets aportan la frescura del ‘trapetón’ y demuestran cómo una lengua propia y un baile tradicional como la sardana pueden liderar las listas de éxitos, rompiendo el estigma de que lo local no puede ser universal.
The Tyets representan esa vanguardia que no reniega de sus abuelos, sino que utiliza la herencia cultural para construir una identidad moderna, abierta y orgullosa de sus raíces.
TARTA RELENA
Es un dúo barcelonés nacido en 2016, formado por Marta Torrella y Helena Ros. Su propuesta es una de las más singulares de la escena actual: un viaje a través del tiempo y el espacio que utiliza la voz como instrumento principal para explorar el patrimonio oral de las culturas que bañan el Mediterráneo.
Sus canciones pueden ser desde un canto de trabajo mallorquín hasta una plegaria de la Grecia clásica o un poema de Safo. Todo es reinterpretado bajo una estética minimalista y contemporánea que ellas mismas definen como «folk progresivo».
Su sonido se basa en el canto a cappella, trabajando con armonías vocales complejas y precisas. Aunque su base es la tradición, añaden capas de electrónica sutil y sintetizadores que actúan como un marco moderno para melodías milenarias. Su repertorio es un mapa lingüístico y cultural. Cantan en catalán, castellano, griego, latín, judeoespañol (ladino), sardo o georgiano.
Representan la espiritualidad y el rigor de nuestra cultura. A través de la experimentación vocal y la electrónica mínima, demuestran que las lenguas y tradiciones del Mediterráneo son un organismo vivo, capaz de emocionar en cualquier rincón del mundo desde una autenticidad radical.»
EUSKADI
ÍZARO
Ízaro Andrés (Mallabia, Vizcaya, 1993), conocida artísticamente como Ízaro, es una de las cantautoras más influyentes del País Vasco en la última década. Su música es un ejercicio de libertad donde el euskera, el castellano y el inglés conviven con total naturalidad, eliminando jerarquías lingüísticas. Su estilo transita entre el pop alternativo, el folk, la electrónica y los ritmos latinoamericanos. Lo que unifica toda su obra es una sensibilidad poética capaz de tratar temas como el feminismo, el amor propio y la memoria histórica.
Su música suena contemporánea y sofisticada, mantiene un cordón umbilical con la cultura vasca. Se ha convertido en un referente cultural por su discurso honesto sobre la salud mental y la importancia de defender una cultura propia en un mundo globalizado.
Ízaro es el ejemplo perfecto de cómo la lengua propia es una herramienta de expansión y no de aislamiento. Desde el País Vasco, su música rompe con la centralidad homogeneizadora para reivindicar una identidad fluida, moderna y profundamente conectada con la riqueza idiosincrática de sus raíces.
EXTREMAÚRA
ASINA
Es un proyecto musical extinto de Los Santos de Maimona (Extremadura) que destaca por su profunda conexión con la identidad, la lengua y las raíces de Extremadura. No es solo un grupo de música, sino una propuesta etnográfica y cultural que busca revitalizar el «estremeñu».
Su sonido se mueve en una frontera difusa pero armoniosa entre la electrónica y el folk, junto con el pop contemporáneo. Aunque utilizan sintetizadores y una base electrónica próxima a los ritmos rotos, su esencia reside en rescatar ritmos tradicionales de la región y adaptarlos a una sonoridad actual, lo que a menudo se etiqueta como «folk del siglo XXI» o “Neofolk”.
Sus letras eran costumbristas y emotivas. Cantaban a la tierra, al paso del tiempo en los pueblos y al orgullo de la identidad extremeña. Hay una fuerte carga de «conciencia de clase rural», alejándose de los tópicos para mostrar una Extremadura auténtica, a veces dura y otras veces luminosa.
Se les consideraba parte de una nueva ola de artistas extremeños que están perdiendo el miedo a mostrar su acento y sus raíces sin complejos. Han participado en diversos festivales de música regionales y eventos de promoción de la lengua extremeña, convirtiéndose en referentes de la música de raíz en la comunidad.
FÔNAL
Es un dúo musical originario de Cáceres, Extremadura, que se ha consolidado como uno de los referentes del pop electrónico e indie en la región. Está formado por Inma González y Alfonso Búrdalo. Fônal apuesta por una estética moderna, que funciona el pop con el indie y el rock, aunque también mantienen un vínculo especial con sus raíces, sobre todo a partir de la publicación de su disco «Martilandrán».
En esta canción, single que da también el nombre al disco, el grupo utiliza el estremeñu para narrar leyendas locales (de Las Hurdes).
RUISEÑORA
Es un dúo musical que define su estilo como «psicodelia popular». Se trata de un proyecto que tiende puentes entre la tradición extremeña, la esencia canaria y la música electrónica de vanguardia. El grupo está formado por Elia Maqueda, vocalista y poetisa pacense (Badajoz), encargada de las letras y la interpretación; y Atilio González, músico y productor canario, responsable de la arquitectura sonora y las bases electrónicas.
Ruiseñora no hace folk tradicional al uso, sino que reinventa el folclore. Combinan la copla, las saetas y los ritmos tradicionales (como la jota) con sintetizadores, bases de techno y sonidos progresivos. El resultado es una música que ellos mismos llaman «copla sideral» o «electrónica tradicionalista».
Su obra es un ejercicio de memoria y paisaje. Sus letras suelen explorar el imaginario extremeño, un lenguaje extremeño con influencias del castúo, reivindicando el habla rural, así como las raíces canarias de Atilio, creando un «universo ibérico tropical».
CERVATANA
Es una de las propuestas más recientes y explosivas del panorama musical extremeño, nacida a finales de 2025. Se trata de un «supergrupo» que combina el talento de músicos consagrados con una estética visual y sonora profundamente vanguardista.
El grupo tiene su «base de operaciones» compartida entre Mérida (Extremadura) y Sevilla. Sus integrantes son figuras muy conocidas en la escena rock y psicodélica actual. Miguelito García (Dandy Piranha): el carismático vocalista de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba. Matxete: también miembro de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba. Frank Sánchez: tour manager de la banda y pieza clave en la creación del proyecto.
Cervatana explora territorios mucho más enfocados a la música electrónica, el dance y el post-punk y se presentan como un colectivo artístico más que como una banda tradicional que incluye una fuerte apuesta estética (moda, diseño y artes escénicas) que busca poner en valor el talento joven extremeño. Clave de ello es su single «Cap. IV: La Bomba», un videoclip rodado en Mérida, con el apoyo del ayuntamiento de la ciudad y la participación de talento local (danza contemporánea y artes visuales).
LOS SANGUIJUELAS DEL GUADIANA
Es una de las bandas revelación más importantes de la escena musical española actual (especialmente en 2025 y 2026). Originarios de Casas de Don Pedro, un pequeño pueblo en la Siberia Extremeña (Badajoz), el grupo ha destacado por llevar la realidad de la «España vaciada» a los grandes festivales con un sonido fresco y auténtico.
Su propuesta es una mezcla ecléctica que ellos mismos definen como la unión de lo rural con lo contemporáneo. Rock urbano y folklore, electrónica y autotune y letras de raíz es la seña de identidad de la banda.
El grupo representa una nueva ola de artistas rurales que no intentan ocultar su origen, sino que lo convierten en su bandera. Han logrado conectar con una generación joven que se siente identificada con el conflicto entre la modernidad y la tradición, demostrando que desde un pueblo de 1.300 habitantes se puede revolucionar la industria musical nacional.
EL GATO CON JOTAS
Es el nombre artístico de Sergio Gómez, un polifacético artista, músico, folclorista y performer originario de Peraleda de la Mata (Cáceres). Se ha consolidado como una de las figuras más innovadoras del neofolk español, destacando por su capacidad para fusionar la tradición oral extremeña con la modernidad electrónica y la estética queer.
Su propuesta principal se define como Electrojota, un espectáculo donde las jotas, rondeñas y canciones de labranza de Extremadura se mezclan con sintetizadores y bases electrónicas, performance y danza (recontextualiza los movimientos tradicionales en un escenario contemporáneo) e instrumentación tradicional (utiliza la guitarra, el laúd, la bandurria y percusiones humildes como cucharas o almireces, integrándolos en la producción digital).
Uno de los aspectos más potentes de su obra es la visibilidad LGTBIQ+ dentro del mundo del folclore, un espacio tradicionalmente conservador, rompiendo los roles de género utilizando elementos del traje regional (como el pañuelo de Montehermoso o faldas) combinados con maquillaje y elementos drag.
Es un divulgador activo de la cultura extremeña, manteniendo secciones de «neofolclore» en Canal Extremadura Radio, donde acerca las tradiciones a las nuevas generaciones de forma amena y desenfadada.
GALIZA
BAIUCA
Es el proyecto artístico de Alejandro Guillán, un productor y músico gallego (Catoira, 1990) que se ha convertido en el máximo exponente de la folktrónica en España. Su trabajo destaca por una innovadora fusión entre la música tradicional gallega y la electrónica de vanguardia.
Baiuca consigue que sonidos ancestrales, que hasta hace poco se asociaban únicamente a contextos rurales o folclóricos, funcionen perfectamente en un club de techno o en grandes festivales. Su música es un viaje sensorial que conecta el pasado místico de Galicia con el presente digital.
Mezcla el uso de la gaita, las conchas (pandeiras), la flauta y el pandeiro con sintetizadores, cajas de ritmos y samplers. Utiliza archivos sonoros antiguos, grabaciones de campo y letras del cancionero tradicional para reconstruir canciones que estaban casi en el olvido. Suele trabajar con cantareiras y percusionistas de grupos tradicionales (como Aliboria o Lilaina) para mantener la pureza de las voces y los ritmos.
TANXUGUEIRAS
Es un trío de cantareiras y pandereteras gallegas formado por Sabela Maneiro, Aida Tarrío y Olaia Maneiro. Se han convertido en un auténtico fenómeno social y cultural en España por su capacidad para revolucionar la música tradicional gallega, dotándola de una sonoridad moderna, empoderada y urbana.
Su propuesta se basa en la reelaboración de la música de raíz. Aunque su base es el canto tradicional gallego apoyado en la percusión (panderetas y latas de pimentón), han incorporado elementos de música urbana y electrónica como bases potentes de trap, pop y sintetizadores, armonías vocales y mensaje reivindicativo.
El grupo cuida muchísimo su puesta en escena. Su estética combina joyas tradicionales gallegas con diseño de alta costura contemporáneo.
Han logrado algo histórico: acercar el folclore a la Generación Z. Han conseguido que en las discotecas y grandes festivales se baile una muiñeira con la misma energía que un tema de reguetón, rompiendo los prejuicios sobre la música rural y las lenguas minoritarias.
LA RIOJA
TÜNDRA
Es un grupo de música folk contemporánea y experimental, formado en 2008. Se distinguen por ser una banda instrumental que realiza una relectura profunda y atmosférica de la música tradicional, principalmente del norte de España y de la zona del Ebro. A diferencia de otros grupos de «neofolk» que apuestan por la electrónica bailable, Tündra busca una sonoridad más orgánica, progresiva y, en ocasiones, cercana al post-rock.
Su estilo se basa en la fusión de instrumentos ancestrales (el rabel, la zanfona, la gaita, el salterio y diversas flautas de tres agujeros) con texturas modernas (se apoyan en la guitarra eléctrica, el bajo y una batería de corte contemporáneo).
El grupo realiza una labor casi arqueológica. Muchos de sus temas parten de grabaciones antiguas de campo o de partituras rescatadas de cancioneros olvidados. Su objetivo no es mantener la tradición «en un museo», sino darle una segunda vida a través de la distorsión, el ritmo y la libertad compositiva.
MADRID
LA NEOMODERNA
Es el proyecto artístico de una cantante y compositora emergente que se define como una artista de electro-folk madrileño y castellano. Es una de las figuras más curiosas de la nueva hornada de artistas que están rescatando el folclore de la zona centro de España para llevarlo a los sonidos del siglo XXI.
Su música es una mezcla ecléctica que ella misma denomina como «bedroom pop folclórico”. Utiliza teclados de juguete y percusiones electrónicas que le dan un aire desenfadado y kitsch junto con géneros como el cuplé, el chotis y los romances castellanos, acompañada de letras divertidas, cotidianas y, a veces, «desquiciadas» (como ella misma ha bromeado en entrevistas), creando una estética propia y algo DIY.
Juega con la idea de lo nuevo y lo antiguo. Su estética visual suele ser colorida y nostálgica, muy ligada a la identidad de barrio de Madrid, pero con el filtro de la generación Z. Sus conciertos suelen ser experiencias íntimas y teatrales, donde el humor y la reivindicación de lo castizo son protagonistas.
MURCIA
MAESTRO ESPADA
Es un dúo musical español compuesto por los hermanos Alejandro y Víctor Hernández, originarios de Murcia. Su propuesta es una de las más fascinantes y personales de la escena actual, situándose en la vanguardia del neofolk o folclore experimental.
La esencia de Maestro Espada reside en el diálogo entre el pasado y el futuro. Toman el folclore tradicional de la huerta murciana (parrandas, malagueñas, jotas) y lo procesan a través de sintetizadores, cajas de ritmos y texturas electrónicas. No se trata de una simple modernización de canciones antiguas, sino de una reinterpretación emocional donde la electrónica subraya el carácter hipnótico y, a veces, oscuro de la música popular.
Parte de una instrumentación híbrida utilizando instrumentos tradicionales como el laúd o las castañetas, pero los mezclan con sintetizadores analógicos y efectos digitales, además cantan a menudo al unísono o con armonías cerradas, creando un efecto de «voz de pueblo» que resulta a la vez ancestral y contemporánea.
![Maestro Espada "Murciana" [Official Video]](https://i.ytimg.com/vi/XiUm9t4AnwM/hqdefault.jpg "Rave Indígenea y el Neofolclore que recorre España")
NAVARRA
ZETAK
Hay que mirar hacia Navarra y la innovación en la música en euskera. Es el proyecto de música electrónica multidisciplinar creado por Pello Reparaz en 2019, un proyecto donde él no solo es el cantante, sino el cerebro creativo, compositor y productor.
Su sonido es una mezcla orgánica y potente de electrónica (uso de sintetizadores y beats profundos), tradición (integrando instrumentos tradicionales vascos, como la txalaparta, pero procesados de forma actual) y pop minimalista.
Zetak se caracteriza por cantar exclusivamente en euskera, pero con una ambición global. Es el referente actual de cómo la música en una lengua minoritaria puede sonar absolutamente internacional, moderna y llenar festivales de gran formato.
VALÈNCIA
FAIXA
Faixa es una formación musical nacida en 2022 en las comarcas de L’Alcoià y El Comtat (Alicante/Valencia). Su propuesta se basa en la fusión de la música tradicional valenciana con la electrónica moderna. Lo que ellos hacen no es solo «rescatar» sonidos antiguos, sino tratarlos como material vivo para las pistas de baile.
Sus influencias incluyen tradición (El cant de batre (cantos de trabajo), las marchas de Moros y Cristianos, jotas y el sonido de la dolçaina y el tabal) y electrónica (se mueven por géneros potentes como el UK Bass, el Jungle, el Footwork y, por supuesto, influencias del sonido clubbing de la Ruta del Bakalao).
Faixa comparte una visión de «folclore del futuro», usando su lengua y su raíz para crear algo que suena completamente internacional, con letras y sonidos que están profundamente ligados a la identidad valenciana y a la vida rural, pero con una estética visual y sonora muy urbana, y reinterpretando el folclore para que las nuevas generaciones lo sientan propio, sacándolo de los museos y llevándolo a los festivales.
