Kandinsky y la sinestesia: la relación entre color, música y emociones

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El pintor ruso Wassily Kandinsky era sinestésico y creía que la sinestesia era una fuente de inspiración para el arte. En su libro «De lo espiritual en el arte», Kandinsky describió cómo los colores y las formas pueden evocar emociones y sensaciones similares a las que produce la música.

En este artículo, exploraremos la relación entre la sinestesia, el color y la música en la obra de Kandinsky. Veremos cómo el pintor utilizó la sinestesia para crear pinturas que transmiten emociones y sentimientos profundos.

La sinestesia de Kandinsky

Wassily Kandinsky explicaba su Sinestesia con estas palabras:

«Los violines, los profundos tonos de los contrabajos, y muy especialmente los instrumentos de viento personificaban entonces para mí toda la fuerza de las horas del crepúsculo. Vi todos mis colores en mi mente, estaban ante mis ojos. Líneas salvajes, casi enloquecidas se dibujaron frente a mí”. Kandinsky, 1913 (Ed. 1982, p. 364).

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Estas fueron las palabras del pintor ruso Wassily Kandinsky (1866-1944), precursor del expresionismo abstracto, para expresar su primera experiencia sinestésica.

Todo sucedió tras asistir a la representación en Moscú de la colosal ópera Lohengrin de Wagner. El descubrimiento de estar en posesión de la facultad de tener percepciones múltiples causó una honda transformación en su manera de concebir sus creaciones.

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Sinestesia y Kandinsky: Sonido, color, sentimiento

A lo largo de la historia del arte se ha reflexionado profundamente sobre las características que definen a la música y la pintura de manera independiente, y la posible relación entre ambos ámbitos.

La pintura discurre por el canal sensorial de la vista, siendo sus valores predominantes la espacialidad y la intemporalidad. La música, por el contrario, se capta a través del canal auditivo, se desenvuelve en la dimensión temporal y no puede ser percibida visualmente si no es por medio del empleo de la tecnología.

Los creadores no sólo se han interesado por vincular música y pintura en términos generales, si no que han tratado de averiguar las relaciones entre color-forma, luz-música, color-intervalos tonales y sobre todo color-sonido.

El siglo XX ha sido especialmente prolífero en pintores interesados en este ámbito como Frantisek Kupka, Paul Klee y Wassily Kandinsky, el creador que nos ocupa.

Kandinsky

El pintor ruso defendió la sinestesia como un componente esencial del arte, como demuestra en su trabajo teórico publicado en 1911 “De lo espiritual en el arte”, haciendo referencia a la metáfora musical en la creación.

Su pensamiento trataba de aunar tres elementos: sonido, color y sentimiento. El pintor investigó profundamente las relaciones consonantes y disonantes entre color y música, especialmente siendo miembro de Der Blaue Reiter (El Jinete Azul).

En este grupo formado por artistas expresionistas entre los que se encontraban F. Marc, G. Münter, A. Von Jawlensky, entre otros, tuvo como objetivo evocar profundas emociones y sensaciones en espectadores y oyentes a través de representaciones simultaneas de color, sonido y danza.

La relación entre sonido y color

Amelia Alonso Ruíz, en su libro “El color de los sonidos” (Visión Libros. 2012) presenta las conclusiones obtenidas del estudio de “De lo espiritual en el arte”, estableciendo de este modo las correspondencias entre el color y el timbre de los instrumentos:

ROJO: Fuerza. Energía. Impulso. Suena a trompetas acompañadas de tubas.
AMARILLO: Excéntrico. Agresión. Agudo y penetrante como una trompeta tocada con toda la fuerza.
AZUL: Concéntrico. Introvertido. En su tonalidad mas clara corresponde a la flauta, azul medio al violoncello y el oscuro al contrabajo.
VERDE: Tranquilo. Sin matices. Tonos tranquilos de violín.
NARANJA: Campana llamando al ángelus. Barítono potente. Viola interpretando un largo.
VIOLETA: Corno inglés. Gaita. Cuando es profundo es un fagot.
BLANCO: Frío. Infinito. No-sonido. Pausa musical.
NEGRO: Silencio eterno. Musicalmente una pausa completa y definitiva

Vassily Kandinsky

La relación entre sonido y color es un tema de gran complejidad y difícil estudio, debido a que se basa en las experimentaciones de cada individuo en particular.

Cada sinestésico tiene un nivel de sensorialidad distinto, y que se manifiesta de diversas maneras en cuanto a las asociaciones que realiza de manera involuntaria. Por lo tanto, cada investigador ha desarrollado su propia teoría.

En el caso de este artista, su tesis se basa en la relación de la percepción de los colores con la psicología, es decir, los colores de sus pinturas ejercen dos tipos de reacciones en el organismo:

  • Física (la visualización de la belleza de los colores agrada y dura mientras existe el estímulo)
  • Psicológica (conmoción emocional y desarrollo de la sensibilidad)

Las siguientes palabras del artista resumen de una manera muy poética y clara la esencia de su pensamiento:

«El color es un medio para ejercer una influencia directa sobre el alma. El color es el teclado. El alma es el piano con muchas cuerdas.

El artista es la mano que por esta o aquella tecla, hace vibrar adecuadamente el alma humana”. (De lo espiritual en el arte).

La obra de Kandinsky

Wassily Kandinsky fue un artista revolucionario que revolucionó el mundo del arte con sus pinturas abstractas. Sus obras son un ejemplo de cómo la sinestesia puede utilizarse para crear arte que trasciende el mundo físico.

En sus pinturas, el artista utilizó el color para crear composiciones que evocan estados emocionales y espirituales. El pintor creía que los colores tenían un significado simbólico y que podían utilizarse para expresar emociones y sentimientos.

Por ejemplo, el color amarillo, para Kandinsky, representaba la alegría y la energía. El color azul, por su parte, representaba la paz y la tranquilidad.

Algunas de las obras más conocidas de Kandinsky son:

  • «Impresión III (Concierto)» (1911): Esta obra representa un concierto de música sinfónica. Los colores y las formas de la pintura evocan la energía y la emoción de la música.
  • «Composición VII» (1913): Esta obra es una de las pinturas abstractas más famosas del mundo. Los colores y las formas de la pintura se combinan para crear una sensación de movimiento y dinamismo.
  • «Amarillo, rojo, azul» (1925): Esta obra es un ejemplo de cómo Kandinsky utilizaba los colores primarios para crear composiciones armoniosas.

La obra de Kandinsky sigue siendo hoy en día una fuente de inspiración para artistas de todo el mundo. Sus pinturas son un ejemplo de cómo el arte puede ser una expresión de emociones y sentimientos profundos.

La influencia de Kandinsky

Wassily Kandinsky fue un artista revolucionario que influyó en el desarrollo del arte abstracto. Su obra sigue siendo hoy en día una fuente de inspiración para artistas de todo el mundo.

La influencia de Kandinsky se puede dividir en dos grandes períodos: el período pre-guerra, que va desde 1900 hasta 1914, y el período post-guerra, que va desde 1914 hasta su muerte en 1944.

Período pre-guerra: En el período pre-guerra, se estableció como uno de los principales exponentes del arte abstracto. Sus obras, como «Impresión III (Concierto)» (1911) o «Composición VII» (1913), fueron pioneras en el uso del color y la forma para crear composiciones abstractas que evocan emociones y sentimientos.

La influencia de Kandinsky en este período se puede ver en el trabajo de otros artistas abstractos de la época, como Paul Klee, Kazimir Malevich o Piet Mondrian. Estos artistas se inspiraron en el uso del color y la forma de Kandinsky para crear sus propias obras abstractas.

Período post-guerra: En el período post-guerra, el artista se trasladó a Francia, donde continuó experimentando con el arte abstracto. Sus obras de este período, como «Amarillo, rojo, azul» (1925) o «Composiciones en blanco» (1930), son más abstractas y minimalistas que las de su período pre-guerra.

La influencia del pintor en este período se puede ver en el trabajo de artistas abstractos posteriores, como Jackson Pollock, Mark Rothko o Cy Twombly. Estos artistas se inspiraron en el uso del color y la forma de Kandinsky para crear sus propias obras abstractas.

Influencia actual: La influencia de Kandinsky sigue siendo hoy en día una fuerza importante en el arte contemporáneo. Su obra sigue inspirando a artistas de todo el mundo, que se ven atraídos por su uso innovador del color y la forma para crear composiciones abstractas que evocan emociones y sentimientos.

Preguntas frecuentes

¿Qué es la sinestesia?

La sinestesia es un fenómeno neurológico en el cual se mezclan o se asocian involuntariamente dos o más sentidos. Por ejemplo, una persona sinestésica puede percibir colores al escuchar música o asociar sabores a palabras.

¿Wassily Kandinsky experimentó sinestesia?

Sí, se cree que experimentó sinestesia. Según sus escritos y testimonios, él asociaba colores y formas con sonidos y melodías. Esta experiencia sinestésica influyó en su enfoque artístico y en su teoría del arte abstracto.

¿Cómo influyó la sinestesia en la obra de Kandinsky?

La sinestesia desempeñó un papel fundamental en su obra, ya que le permitió explorar una conexión profunda entre los sentidos y el arte. Asociaba colores específicos con tonos musicales y creía que las formas y los colores podían transmitir emociones y expresar armonía.

¿Kandinsky intentó representar la sinestesia en su arte?

Sí, buscaba representar su experiencia sinestésica en sus pinturas abstractas. Utilizaba colores y formas para crear composiciones que evocaran sensaciones emocionales y rítmicas, buscando una experiencia multisensorial para el espectador.

¿Cómo se aprecia la sinestesia en las obras de Kandinsky?

En sus obras se pueden observar elementos visuales que evocan una sensación de movimiento y ritmo, a menudo asociados con la música. Utilizaba colores vibrantes y formas orgánicas para crear una experiencia visual intensa y emotiva.

¿Se escribe Vasili Kandinski o Wassily Kandinsky?

Ambas formas son correctas. El nombre de Wassily Kandinsky se escribe en ruso como Василий Кандинский, que se translitera al español como Vasili Kandinski. La forma Wassily es la transliteración al inglés del nombre ruso.
La forma Vasili es la forma más común de escribir el nombre de Kandinsky en español. Sin embargo, la forma Wassily también se utiliza con frecuencia, especialmente en contextos académicos o especializados.

¿Quién es Nina Kandinsky?

Nina Kandinsky, nacida Nina Nikolayevna Andreevskaja, fue la segunda esposa del pintor ruso Wassily Kandinsky. Se casaron en 1917 y estuvieron juntos hasta la muerte del pintor en 1944.
Fue una figura importante en la vida y obra de Kandinsky. Ella lo apoyó en su carrera artística, y lo ayudó a organizar sus exposiciones y conferencias. También fue una fuente de inspiración para su obra, y aparece en varias de sus pinturas.

¿Qué precio tienen los cuadros de Kandinsky?

Los cuadros de Kandinsky son algunos de los más caros del mundo. El precio de sus obras depende de varios factores, como su tamaño, su calidad, su rareza y su historia.
En general, los cuadros se venden por millones de dólares. El récord de precio lo ostenta el cuadro «Composición VII», que se vendió por 44,9 millones de dólares en 2013.

¿Se pueden comprar cuadros de Kandinsky en Amazon?

No, no se pueden comprar cuadros de Kandinsky en Amazon. Son obras de arte muy valiosas, y los únicos lugares donde se pueden comprar son en galerías de arte de renombre o en subastas.
En Amazon, se pueden encontrar reproducciones de cuadros de Kandinsky, pero no los cuadros originales. Las reproducciones son copias de alta calidad, pero no tienen el mismo valor que los cuadros originales.

¿Toda la pintura de Kandinsky son cuadros abstractos famosos?

No, no todos son cuadros abstractos famosos. Al principio de su carrera, Kandinsky pintó paisajes, retratos y otras obras figurativas. También realizó algunos dibujos y grabados.
Sin embargo, a partir de 1910, se dedicó principalmente al arte abstracto. Sus obras abstractas, como «Composición VII» (1913) o «Amarillo, rojo, azul» (1925), son algunas de las obras más famosas del arte moderno.

Para saber más…
• Kandinsky, W. : De lo espiritual en el arte (Estética)
• Wager, R. : Lohengrin. C. Abbado. Deutsche Grammophon.
• Museo Thyssen-Bornemisza.

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