Desde Tarija, Bolivia el artista Royé Campero continúa consolidando su propuesta dentro del Rock nacional con Soliloquio, un ambicioso proyecto conceptual que explora la introspección y el crecimiento personal.
En este camino, presenta su nuevo sencillo Bandera Blanca, una pieza que revela una faceta más atrevida y dinámica, tanto en lo musical como en lo visual, reafirmando su identidad artística y su apuesta por conectar emocionalmente con el público. Damos las gracias por su tiempo y confianza en esta exclusiva para LaCarne Magazine.
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Royé Campero: Soliloquio, un viaje entre sombras y redención
¿Cómo nació la idea del proyecto conceptual Soliloquio y qué significa para ti a nivel personal?
El proyecto conceptual Soliloquio nació de un sueño que tengo desde mis inicios en la música: crear un álbum de Rock capaz de transmitir las mismas emociones que me generaban las bandas que me inspiraron. A lo largo de más de diez años, comencé a escribir mis propias canciones, atravesando un proceso de evolución artística en el que mis composiciones fueron ganando madurez y una identidad propia, cada vez más alineada con mi estilo y mi sensibilidad.
A nivel personal, este proyecto representa un recorrido emocional y creativo muy profundo, ya que incluye canciones que escribí en distintas etapas de mi vida, algunas incluso desde mi época en Buenos Aires, y que hoy adquieren nuevos significados. Para mí, la música tiene un valor profundamente emocional, y mi intención es dejar una huella en quienes la escuchan, generando identificación a través de mensajes sinceros y significativos en cada canción.
¿De qué manera tus experiencias internas y emociones influyeron en la creación de este álbum?
Mis experiencias internas y emociones fueron el eje central en la creación de Soliloquio, un concepto que representa ese diálogo constante conmigo mismo. Para mí, el soliloquio es como mirarme en un espejo y sostener una conversación honesta, donde conviven el amor propio, la autocrítica, la duda y el crecimiento personal. Esta lucha interna —entre aceptarme, cuestionarme y superarme— se convirtió en la base emocional del álbum, reflejando un proceso profundo de introspección y de búsqueda de coherencia con mis valores, pensamientos y decisiones.
El álbum recorre ese camino a través de tres etapas: una primera marcada por el caos y el conflicto interno, con pensamientos desordenados y emociones intensas; una segunda en la que ese conflicto se profundiza en busca de respuestas; y una tercera enfocada en la aceptación y la paz interior. Inspirado también por momentos de soledad, como mi etapa en Buenos Aires, transformo esa sensación de extrañeza y desconexión en un viaje hacia el autoconocimiento, mostrando que el verdadero equilibrio comienza cuando logro reconciliarme conmigo mismo.
Una breve reseña de su historia musical, ¿cómo nace a la vida artística? ¿Qué influencias ha recibido y qué artistas lo han marcado?
Mi vida artística nace desde muy temprana edad, profundamente influenciada por mi entorno familiar, especialmente por mi padre, quien me transmitió el amor por la música. Desde niño estuve expuesto a bandas como Pink Floyd, Queen y AC/DC, que marcaron mi gusto por el Rock clásico. Con el tiempo, amplié mis referencias hacia sonidos más pesados como Metallica y Rammstein. Estas influencias no sólo definieron mi identidad musical, sino que también están presentes en mi álbum a través de guiños emocionales y estéticos, incluso conectados con recuerdos compartidos con mi padre, como el cine y bandas sonoras de clásicos como The Good, the Bad and the Ugly.
Un punto de inflexión en mi desarrollo fue mi etapa en Buenos Aires, donde comprendí la importancia de abrirme a todos los géneros musicales y dejar atrás prejuicios. Esta apertura me permitió enriquecer mi estilo y adquirir herramientas clave para la composición y producción. Aunque el Rock sigue siendo mi base, hoy valoro la música en su totalidad, priorizando siempre el mensaje y la emoción. En ese camino, una de mis mayores influencias ha sido Abel Pintos, especialmente por su capacidad expresiva tanto vocal como interpretativa, un aspecto que busco reflejar en cada una de mis canciones.
Extraño alcanzó el puesto #1 en rankings especializados de música nacional, ¿cómo recibiste ese logro y qué significó para tu carrera?
Extraño, como canción que abre el álbum y refleja esa sensación de desconexión conmigo mismo, ocupa un lugar muy especial para mí. Alcanzar el puesto #1 en rankings de música nacional fue una sorpresa muy gratificante que recibí con orgullo y emoción, pero que atribuyo principalmente al apoyo de mi comunidad, a la que considero una verdadera familia. Más allá de un logro individual, lo interpreto como un resultado colectivo, fruto del cariño, la confianza y el acompañamiento constante de quienes creen en mi música y en el concepto que estoy construyendo.
¿Qué elementos diferencian a Eterno de los otros sencillos en cuanto a sonido y mensaje?
Eterno se diferencia de mis otros sencillos tanto en su sonido como en su mensaje. Dentro del álbum, es una pieza más disruptiva, ya que se inclina hacia un estilo Punk que me llevó a salir de mi zona de confort, guiándome completamente por la emoción que me transmitía la canción durante su creación.
En cuanto al mensaje, aunque la letra puede interpretarse de distintas maneras, en el fondo aborda la idea de trascender y dejar una huella en el tiempo, ya sea en la memoria de otros o en la propia. Prefiero no dar una única explicación, porque busco que cada oyente le otorgue su propio significado y conecte con la canción desde su experiencia personal.
Otra vez mezcla un ritmo Reggae Pop con una letra introspectiva, ¿por qué decidiste trabajar ese contraste? ¿Qué representan los ciclos emocionales que abordas en esta canción?
Otra Vez refleja los distintos estados emocionales que conviven dentro de una misma persona. A través de dos facetas —una más alegre y expresiva, y otra más reflexiva e introspectiva— la canción muestra cómo atravesamos diferentes etapas que, aunque parezcan opuestas, forman parte de un mismo proceso interno. Este enfoque también se refuerza en el videoclip, donde ambas versiones dialogan entre sí, representando la importancia de reconocerse, aceptarse y comprender los propios ciclos emocionales. Además, en lo sonoro, incorpora elementos poco convencionales dentro del Reggae, como el uso del saxo, aportando una identidad particular que acompaña el mensaje.
El videoclip de Otra vez presenta dos versiones de una misma persona, ¿qué simboliza este recurso visual? ¿Cómo te fue con la producción audiovisual?
Simboliza ese diálogo interno constante, donde conviven distintas facetas emocionales: una más introspectiva y otra más expresiva, reflejando los conflictos y conversaciones que uno tiene consigo mismo. La producción audiovisual, realizada junto a Jonás Michel de J-Train Productions, fue una experiencia fluida y enriquecedora, marcada por una buena conexión creativa. Para lograr autenticidad, cada versión se grabó en días distintos, permitiendo transitar emocionalmente cada estado; incluso, de forma casi simbólica, el clima acompañó estas sensaciones, con un día nublado para el lado más introspectivo y uno soleado para el más alegre, reforzando el mensaje y dejando espacio a la libre interpretación del espectador.
¿Cómo ha evolucionado tu estilo musical desde tus primeros lanzamientos como Compadre hasta el presente proyecto Soliloquio?
Mi estilo musical ha evolucionado de forma, especialmente en lo sonoro y conceptual. Actualmente estoy mucho más involucrado en la producción, cuidando cada detalle para lograr una experiencia más rica y profunda en las canciones. A diferencia de etapas anteriores, este álbum presenta un hilo conductor claro que une todas las piezas bajo un mismo concepto, marcando una nueva identidad artística. Más que una mejora, representa una transformación o nueva etapa en mi carrera, una metamorfosis que refleja crecimiento personal y musical, y lo asumo como parte natural de mi evolución.
¿Qué papel han jugado los músicos y productores en la construcción del sonido del álbum?
Los músicos y productores han sido fundamentales en la construcción del sonido de Soliloquio, aportando identidad, calidad y riqueza a cada canción. Destaco especialmente el trabajo de Motetito Zamora, principal aliado en la producción, y colaborador en guitarras y bajos, así como Nico Blus, cuyo rol como ingeniero de sonido ha sido clave en las mezclas y el mastering, logrando resultados de alto nivel. A ellos se suman diversos artistas que han contribuido con su talento en distintas etapas del álbum, enriqueciendo el proyecto con una gran diversidad sonora.
Al no contar con una banda fija, he trabajado con distintos músicos según lo que cada canción requería, lo que permitió construir arreglos únicos y personalizados. Entre ellos se encuentran Daniel Subirana, Juan (de Juanan Roll), Christian Mogro en el bajo, Nico Mendola en teclados, Yerko en armónica, Luca en saxo, Toño Lema en canciones como Extraño y Eterno, y Rodri Lema, cuya creatividad en guitarras ha sido clave. Esta colaboración con artistas de distintas generaciones y estilos, incluyendo una nueva camada de músicos en la etapa final, ha sido una gran fortaleza y una experiencia enriquecedora para el proyecto.
Un latido entre caos y calma
¿Cómo fue el proceso de producción junto a Motete Zamora y el equipo de trabajo?
El proceso de producción del álbum junto a Motete Zamora y el equipo ha sido desafiante y exigente, marcado por un alto nivel de perfeccionismo y compromiso. Desde el inicio, me propuse una planificación ambiciosa de lanzar una canción por mes, lo que implicó una gran organización que no siempre pudo cumplirse al pie de la letra debido a las responsabilidades de cada integrante. Esto generó momentos de ansiedad, frustración y estrés, pero también impulsó al equipo a cuidar cada detalle para que cada canción alcance el nivel deseado, reflejando el esfuerzo, la dedicación y el amor invertidos en el proyecto.
A nivel personal, este proceso ha implicado sacrificios importantes en mi vida cotidiana, pero responde a la convicción de cumplir un sueño de la mejor manera posible. Apostar por un álbum conceptual de 15 canciones dentro de una escena donde predominan los sencillos —y además hacerlo en el contexto de la industria musical boliviana, aún en desarrollo— representa un reto significativo. Sin embargo, asumo este desafío como una forma de abrir camino para futuras generaciones dentro del Rock y demostrar que, a pesar de las dificultades, es posible construir propuestas artísticas sólidas y auténticas.
Tus videos destacan por su calidad visual, ¿cómo desarrollas los conceptos audiovisuales de cada canción? ¿Qué importancia le das a los videoclips dentro de tu propuesta artística?
Los videoclips son una parte fundamental de mi propuesta artística, ya que funcionan como un complemento directo del mensaje de cada canción, ampliando lo que se transmite a nivel sonoro hacia lo visual. El desarrollo de cada concepto audiovisual lo realizo en conjunto con Jonás Michel de J-Train Productions, partiendo de una idea central y buscando la mejor forma de representarla de manera clara y coherente con el concepto del álbum.
Este trabajo colaborativo se basa en la experimentación y la apertura creativa, donde no hay límites rígidos y muchas veces surgen resultados interesantes a partir de probar ideas. El videoclip no sólo acompaña la música, sino que enriquece la experiencia, permitiendo explorar nuevos matices y expresar con mayor profundidad aquello que a veces resulta difícil comunicar sólo con palabras.
¿Qué significa la música para Royé Campero?
La música es ante todo una forma profunda de expresar sentimientos y emociones, donde el mensaje, el alma y el corazón son lo más importante. Más allá de objetivos como la fama o el reconocimiento, busco crear canciones que conecten genuinamente con las personas, capaces de evocar recuerdos, emociones intensas y momentos significativos en sus vidas.
El verdadero valor de la música está en lo que hace sentir —esa capacidad de erizar la piel o transportar a alguien a un instante especial—, y considero que cualquier éxito material debe ser una consecuencia natural de esa conexión auténtica.
¿Qué desafíos has enfrentado al construir un proyecto conceptual de 15 canciones?
Construir un proyecto conceptual de 15 canciones en 12 meses ha sido, sin duda, uno de los mayores desafíos que he asumido, tanto a nivel personal como junto a todo el equipo de producción sonora y audiovisual. Ha sido un camino exigente, con momentos difíciles, pero también lleno de aprendizaje y crecimiento.
A pesar de la complejidad, decidí apostar por una ruta menos convencional, en lugar de seguir fórmulas comerciales. Todo nace desde la convicción de hacer una propuesta auténtica, fiel a lo que quiero expresar.
Hoy entiendo que, más allá del resultado final, lo más valioso es el proceso: disfrutarlo, sostenerlo y aprender de cada etapa. También quiero demostrar que, con esfuerzo, constancia y compromiso, es posible materializar un proyecto ambicioso y, de alguna manera, abrir camino para otros artistas.
Acaba de anunciar para el domingo 5 de abril el estreno del 4to single, de su ansiado disco debut, ¿qué pueden esperar los oyentes de los próximo sencillo que se lanzará?
Bandera Blanca se estrenó el domingo 5 a las 20:00, y viene con una energía completamente distinta. Es un Blues Shuffle dinámico, divertido y, sin duda, la canción más “picante” del álbum. Con este tema me animo a explorar por primera vez una faceta más sensual y juguetona de mi personalidad.
El videoclip acompaña perfectamente esta vibra, con una narrativa entretenida que tiene un giro inesperado. En él, interpreto a un personaje que entra en conflicto con su propia conciencia, esa voz interna que a veces nos empuja hacia decisiones cuestionables.
Tanto la canción como el video buscan sorprender, conectar desde un lado más ligero, pero sin perder ese trasfondo introspectivo que define todo el proyecto. Siento que es una nueva forma de mostrar quién soy, sin dejar de lado la esencia de Soliloquio.
Hasta el presente, ¿qué show o recital lo ha marcado en el Alma?
Uno de los momentos más significativos de mi carrera fue abrir el concierto de Abel Pintos. Fue un sueño cumplido, y lo viví junto a una banda a la que le tengo un cariño enorme. Ese día quedó marcado para siempre, no sólo por lo que representaba, sino por una conexión muy especial con un amigo cercano, con quien empecé tocando en la calle. En medio del show, cruzamos una mirada que decía todo: el camino recorrido, el esfuerzo y los sueños que poco a poco se van haciendo realidad.
A lo largo de este proceso también he tenido la oportunidad de vivir experiencias que me han marcado profundamente: presentarme en el Festival Internacional de la Canción en Punta del Este representando a Bolivia, ser parte de eventos como Respira Bolivia, tocar en el FestiORAM y vivir un momento muy especial al emocionar hasta las lágrimas a Matamba en Factor X.
Como lo ha comentado en sus redes sociales, va a estrenar single por single durante el 2026 el material que forma parte de Soliloquio. ¿Qué mensaje principal te gustaría que el público se lleve al escuchar el proyecto completo? ¿Cómo mantienes la coherencia narrativa a lo largo de todo el álbum?
Mantener la coherencia narrativa de Soliloquio a lo largo de lanzamientos mensuales es, sin duda, uno de los mayores desafíos que estoy asumiendo. Mi objetivo es sostener un hilo conductor claro que permita transmitir el concepto del álbum de una forma comprensible, pero sobre todo emocional. Más allá de la estructura, el mensaje principal que quiero dejar es la importancia del autoconocimiento, la aceptación y el amor propio. Siento que todo parte de ahí: de aprender a relacionarnos mejor con nosotros mismos para poder hacerlo también con los demás.
Entiendo este proceso como algo constante, en construcción permanente. No se trata de llegar a un punto final, sino de aprender a mirarnos con más honestidad y menos dureza, y de trabajar todos los días para convertirnos en nuestra mejor versión
Mirando hacia el futuro, ¿cómo crees que Soliloquio marcará un antes y un después en tu carrera musical?
Espero que Soliloquio marque un antes y un después, no sólo en mi carrera, sino también en la música boliviana. Quiero aportar a abrir camino para nuevos artistas dentro del Rock y demostrar que sí es posible perseguir los sueños desde la autenticidad, sin dejar de ser uno mismo.
Mi objetivo es que este álbum tenga el impacto suficiente para llevar mi mensaje a más personas, poder recorrer el país con una gira nacional y, por qué no, proyectarlo también a nivel internacional.
Sus palabras de despedida para los seguidores de Royé Campero y para los lectores de LaCarne Magazine.
Hoy quiero tomarme un momento para agradecer profundamente a mi comunidad, a quienes considero mi familia. Todo lo que estoy logrando es gracias a ustedes, a su cariño, su apoyo constante y esa conexión tan genuina que hemos construido con el tiempo. De verdad me emociona pensar en todo lo que aún nos queda por vivir juntos. También quiero agradecer a LaCarne Magazine por brindarme el espacio para compartir mi proyecto y mi visión. Es muy valioso para mí poder abrir estas puertas y seguir creciendo.
Los invito a que sigan de cerca todo el proceso de Soliloquio, porque esto recién comienza y todavía hay mucho por descubrir. Mi mayor deseo es que mis canciones logren conectar con ustedes, que puedan sentirlas, identificarse y encontrar en mi música un pequeño momento de pausa, de unión, de verdad. Gracias por estar aquí.
Con Soliloquio, Royé Campero no sólo presenta un álbum, sino una experiencia emocional que invita a la introspección y al diálogo interno. Su apuesta por un proyecto conceptual dentro de la escena boliviana refleja valentía, autenticidad y una clara intención de dejar huella, consolidándose como una voz que busca trascender a través de la honestidad artística y la conexión genuina con su público. ¡El mejor de los éxitos y muchas bendiciones!
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